Am fost întristați să aflăm că artistul Dawn Clements, ale cărui opere de viață statistică mare și cumulată au surprins bucuria vieții de zi cu zi, au murit recent la vârsta de 60 de ani. Conform necrologului de Neil Genzlinger pentru The New York Times: „Dawn Clements, ale cărui desene complexe și acuarele au surprins scene detaliate din viața ei și din melodramele de film, adesea pe scară panoramică, au murit la 4 decembrie, la un hospici din Bronx … Desenele doamnei Clements - în general cu cerneală sau pix cu pixuri - și picturile ei foloseau adesea mai multe foi de hârtie încrețită, cusute împreună în forme mari, neregulate, care contrastau cu precizia tehnică a mâinii.”
Clements a fost prezentat într-un articol al lui John A. Parks în numărul din aprilie 2018 al artistului Watercolor. Luptând împotriva cancerului în momentul interviului, Clements a abordat boala ei și modul în care aceasta a avut impact asupra muncii ei. Dedicăm articolul, reeditat aici, amintirii lui Dawn.
Dacă vă place aspectul picturii în acuarelă, Watercolor Artist este singura revistă la care ar trebui să vă abonați. Având caracteristicile sale despre artiști contemporani și pagini de artă frumoasă și explicații tehnice, tot ce țin de acuarelă este aici, copertă de acoperit. Abonează-te acum!
Un efect cumulativ
Dawn Clements își atrage și pictează împrejurimile, trecând dintr-un punct de vedere în altul cu un ochi intens și cu o mână sigură peste zile și săptămâni. Lucrările devin cumulate, nu numai ca observații, ci și fizic, deoarece artista adaugă foi de hârtie pentru a încorpora fiecare nouă zonă a subiectului ei. Treptat, cresc pentru a deveni piese foarte mari, cu o lungime de peste 20 de metri.
Împăturit, stresat de la manevrare și, adesea, departe de adevăratele dreptunghiuri, lucrarea finalizată de Clements este marturie a unei îndelungi logodniri fizice cu lumea. Inevitabil, această întreprindere devine autobiografică, nu numai ca un testament al petrecerii timpului într-un anumit loc, ci și în înregistrarea obiectelor cu care artistul se consideră că trăiește.
Recent, confruntată cu probleme grave de sănătate, Clements a ales să încorporeze dovezi ale tratamentelor pe care le are în desfășurare sub formă de ambalaje cu medicamente. Un corp de muncă care adoptă natura schimbătoare, tranzitorie a percepției, s-a lărgit acum pentru a deveni o meditație asupra mortalității.
Departe de a fi negativ, vibrația și intensitatea operei afirmă bucuria artistului de a angaja lumea, chiar dacă o parte din subiect presupune o nouă înflăcărare.
DUPĂ CARTE
Clements a început să lucreze în maniera ei actuală, la începutul anilor 90, când trăgea vieți fixe și s-a trezit că călătorește. „Am fost într-o cameră de hotel din Italia, desenând un cablu telefonic”, își amintește ea. „Nu îmi plănuisem desenul foarte bine, iar imaginea nu a apărut pe hârtie. Am fost dezamăgită până când mi-am dat seama că nu trebuie să mă conștientizez cu dreptunghiul hârtiei - că aș putea adăuga bucăți pentru a extinde imaginea.
„Odată ce mi-am dat permisiunea de a lipi pe mai multă hârtie, mi-am dat seama că pot face desene mari din module mai mici. Odată ce cadrul dreptunghiului a fost schimbat, m-am putut gândi să desenăm într-un mod mai sculptural, că un desen nu trebuie să fie o „fereastră”, ci să se poată prezenta ca obiect.”
Clements a descoperit în plus că nu avea nevoie să-și păstreze desenul în creștere; când a avut prea mult timp să se descurce, ea putea doar să o plieze, ceea ce i-a permis să realizeze desene la o scară mult mai mare.
„Uneori, desenele mele sunt sfâșiate sau uzate sau îndurerate în timp ce le pliez și le adeziv,” spune ea, „dar apoi le petrec și le repar. Toate acestea fac parte din procesul meu.”
O VEDERE DE ÎNVĂȚARE
Procesul clementelor duce inevitabil la imagini care sunt oarecum fracturate. Acestea includ diverse disjuncții, deoarece munca de o zi este adăugată la următoarea. Într-un anumit sens, lucrarea reflectă modul în care abordăm o lume cuprinzătoare și continuă dintr-o abordare de puncte de vedere schimbătoare și de inputuri senzoriale. Dar desenele prezintă și o apreciere mult mai elaborată a bogăției vizuale a unui mediu decât am considera în mod normal.
Clementele funcționează aproape de fiecare obiect, petrecând timpul observându-l intens înainte de a trece la următorul. Ea acceptă că procesul ei înseamnă că va dispensa de un spațiu de perspectivă complet, coerent în întreaga lucrare. În timp ce obiectele individuale sau grupările mici ar putea avea o perspectivă „corectă”, întreaga lucrare poate încorpora multe puncte de vedere diferite, în același timp asumând o anumită flexibilitate.
„Nu numai că îmi schimb punctul de vedere”, spune artistul, „dar aș putea să atrag la diferite ore ale zilei. Acest lucru poate duce la mai multe umbre sau umbre care nu sunt conforme cu o singură sursă de lumină.”Lucrările anterioare ale Clements au prezentat o varietate de medii, dar în ultimii ani a început să lucreze intens în acuarelă.
„Înainte de 2012, am lucrat în principal la cerneală și guașă”, spune ea, „uneori stilou cu bulă, alteori cerneală și perie Sumi, alteori guașă. Oamenii des descriu munca mea drept „desen”. Chiar dacă folosesc adesea vopsea, există ceva în procesul meu care îi face pe oameni să creadă că munca mea este desenată. Nu mă deranjează cum o numesc oamenii. Pentru mine, este treaba."
La un moment dat, Clements a ales să folosească acuarelă, deoarece s-a asezat cu simțul procesului ei de proiectant. „Când lucrez cu cerneală, în general nu folosesc apă sau alb”, spune ea. „Acest lucru face imposibilă ștergerea. Asta nu înseamnă că mărcile nu pot fi schimbate. Dacă într-adevăr nu pot trăi cu o marcă, o voi tăia și lipi într-o nouă bucată de hârtie curată. Totuși, de cele mai multe ori încerc să trăiesc cu așa-numitele greșeli pe care le fac și pur și simplu înaintez, acceptând că face parte din experiența realizării - și în cele din urmă a vizualizării - lucrării.
„Când m-am hotărât să lucrez în guașă”, continuă ea, „s-a întâmplat ceva despre folosirea ei care se simțea ca pictând. Ce-a fost asta? După cum s-a dovedit, a fost prezența culorii albe în paletă. Odată ce albul a fost disponibil, au fost posibile corecții și ștergeri. De asemenea, construirea unei forme a avut mai mult potențial pentru a fi mai tradițional pictură. De obicei, pictorii de ulei funcționează de la întuneric la lumină. Chiar dacă guașa este un mediu bazat pe apă, are potențialul de a fi opac, astfel încât revizuirile pot fi făcute cu ușurință."
Într-o zi - Clements nu-și amintește de ce - a decis să lucreze în acuarelă în loc de guașă și s-a simțit foarte divergent. „Chiar dacă era vopsea, am simțit că atrag din nou”, spune ea. „Mi-am dat seama că în acuarelă nu am folosit alb opac și că vopselele erau întotdeauna translucide. Cumva nu aș putea niciodată să-mi acoper „greșelile”. Acest lucru a simțit că desena din nou. Privitorul a avut acces la căutarea și lupta mea.
"Îmi place cum acuarela poate dezvălui o schimbare de spirit sau o schimbare de poziție, o direcție luată în considerare și redirecționată."
ÎNCEPE MICI
Modul în care Clements construiește un desen printr-un proces de acreție înseamnă că hârtia suferă adesea o manipulare considerabilă - și că lucrarea finală poate atinge o scară foarte mare. Acestea sunt caracteristici care ambele contribuie la natura și puterea lucrării, dar prezintă și provocări în ceea ce privește longevitatea.
Lucrările finalizate sunt expuse neîncheiate, extinzându-se pe pereții unei galerii și expuse accidentelor. „Îmi fac griji pentru longevitatea muncii mele, dar cred că sunt mai interesat de căutarea în sine”, spune Clements. „De multe ori fac lucrări mari în spații mici, de exemplu, un desen mare al mesei mele de bucătărie.”
Pentru a face acest lucru, ea poate începe mici, adăugați hârtie cu lipici pe măsură ce avansează și apoi pliați hârtia pentru a-i atinge. Clementele funcționează aproape întotdeauna pe o suprafață fluență paralelă cu floarea, cum ar fi o masă și aproape niciodată nu funcționează pe perete. „Acest lucru mă ține aproape de obiectele pe care le desenez și mă pune chiar acolo la masa de bucătărie”, spune ea. „Sper că, chiar dacă lucrarea poate deveni de dimensiuni foarte mari, nu este niciodată„ monumentală”. “
Clements se străduiește să transmită o intimitate în opera ei, chiar și atunci când este un format mare. „Vreau ca opera să-mi reflecte viața și ceea ce văd - atât iubirea, cât și mizeria”, spune ea. Poate că suferința care se întâmplă cu munca face parte din ea.
O NOUĂ CONDIȚIE
În timp ce opera lui Clements a fost întotdeauna oarecum autobiografică în înregistrarea spațiilor în care a trăit și a lucrat, aceasta a căpătat o nouă semnificație de când artista s-a trezit că se confruntă cu provocări grave de sănătate.
„În aprilie 2016, am fost diagnosticat cu cancer de sân în stadiu incipient”, spune Clement. „A fost devastator, dar, din câte am înțeles, chirurgia, chimioterapia și radioterapia ar putea foarte bine să scape cancerul din corpul meu. Din păcate, cancerul meu nu a răspuns la tratament. La sfârșitul lunii octombrie 2016, mi s-a dezvăluit că s-a răspândit în alte părți ale corpului meu și că am avut un stadiu foarte avansat [stadiul IV] cancer metastatic. Nu a avut niciun rol în chirurgie și prognosticul meu a fost foarte grav. Acesta a fost un șoc teribil pentru mine."
A doua zi după ce a primit această veste, Clements a călătorit la Roma pentru o reședință programată de două luni la Academia Americană. "Asigurandu-ma ca pot primi acelasi tratament medical la Roma, medicul oncolog m-a încurajat sa merg", spune artistul. „Un medic oncolog din Roma a comunicat cu ai mei din New York, pentru a putea începe un tratament. A fost o perioadă destul de nebună, adaptându-mă la un loc nou și la un sistem de sănătate diferit, în timp ce încercam să-mi înfășionez creierul în jurul gravității noii mele stări.
„După cum vă puteți imagina, a fost o perioadă foarte confuză pentru mine. Dar am fost în acest loc extraordinar, cu un studio glorios într-o comunitate de artiști și savanți împliniți și strălucitori. A fost o perioadă foarte ciudată, visătoare în multe feluri”, spune ea.
ZI DE ZI
Remarcabil, Clements s-a lansat într-o acuarelă foarte mare. „Pentru proiectul meu de la Roma [Trei tabele din Roma, mai jos], am vrut să experimentez câteva idei care au legătură cu nivelul diferit de definire sau rezoluție ar putea coexista sau nu într-o singură lucrare”, spune ea. „Pentru a face acest lucru, am creat câteva reguli pentru mine. Am decis că voi desena ceea ce am observat pe mai multe tablete. În loc să rămân fix într-o poziție, m-aș deplasa de-a lungul marginii mesei, astfel încât să fiu mereu aproape de obiectele pe care le observam, interpretându-le mult în modul în care un video sau o cameră de film ar putea călători lent și scana un spațiu. “
Clementele au început în fiecare zi prin tăierea unei bucăți de hârtie dintr-un rulou mare, alegând o dimensiune pe care credea că ar putea să o completeze în acea zi. „De exemplu, în prima zi, mi-am propus să pictez o crenguță de pin, deci hârtia era de dimensiunea crenguței de pin, nu mult mai mare”, spune ea. „În a doua zi, am tăiat o altă bucată de hârtie mică și am atașat-o la stânga lucrului din prima zi.” Apoi a pictat o ramură de măslin pe ea. „În fiecare zi ulterioară, aș adăuga doar hârtie pentru ziua respectivă”, spune ea, „și așa a crescut munca [în cele din urmă atingând 22 de metri lățime]”.
Clements a adăugat o altă regulă la procesul ei; ea a promis să nu se mai întoarcă la munca din ziua precedentă. Ar fi înaintat doar înainte. „Aș putea adăuga orice dimensiune sau formă de hârtie pe care mi-am dorit-o, iar lucrarea finalizată ar putea fi orice dimensiune sau formă pe care mi-am dorit-o în limitele celor opt săptămâni de rezidență. Am fost limitată doar de timp, nu de mărime”, spune ea.
Normele autoimpuse ale lui Clement i-au permis într-adevăr să înțeleagă cum pot funcționa diferite niveluri de rezoluție în cadrul unei singure lucrări. „De obicei, aș fi lucrat la imaginea unui obiect până când am simțit că este completă, de multe ori cu un nivel destul de ridicat de definire”, spune ea. „Uneori, acest lucru ar dura ore, chiar zile. În lucrările mele anterioare, anumite schimbări temporale și fizice m-au împiedicat de multe ori să rezolv o imagine în modul în care mi-am propus.
„De exemplu, o flacără își va ofila petalele; un jacint ar înflori; o bucată de fructe avea să se descompună treptat; sau o rezidență s-ar încheia. Am încercat întotdeauna să răspund la aceste schimbări și să le încorpor în lucrare. Impactul trecerii timpului și schimbarea fizică a influențat modul în care am compus și am rezolvat munca. În loc să-mi controlez mediul, am încercat să fac parteneriat cu acesta.
„Dar la Roma, am creat parametri și mai stricți pentru a recunoaște rolul naturii în schimbare, creștere, degradare și timp”, spune Clements. „În mintea mea, această constrângere de timp forțată a dat mai multe scopuri de rezoluții.” Odată cu hârtia înfigurată și pliurile, nivelurile de rezoluție au devenit o parte integrantă a procesului.
EFEMERA PERSONALĂ
În timp ce urmărește acest proiect concentrat și atent, artista recunoaște că întreaga întreprindere a fost complicată de starea ei fizică și emoțională, întrucât a înțeles starea medicală.
„Noul meu regim de tratament, trebuind să-l gestionez în Italia și încercând să-mi înțeleg sentimentele în legătură cu progresul bolii și mortalității mele a fost di-cult”, își amintește ea. „Și munca în sine a fost solicitantă și interesantă pentru mine. A fost nevoie de multă atenție.”
În timp ce se deplasa și picta măsuțele, Clements a adăugat obiecte precum fructe, resturi de hârtie și alte lucruri pe care le întâlnea în viața ei de zi cu zi. „În ultimele săptămâni în care am lucrat la această piesă, am continuat să iau pastile de chimioterapie și să mă uit la cutie, salvând blisterpack-urile folosite de pastilele pe care le consumasem. Am vrut să-i includ în lucrare, dar nu am făcut-o imediat”.
Se întrebă dacă prezența lor va copleși opera și va crea o narațiune prea puternică și poate chiar prea sentimentală. În cele din urmă, a decis să includă cutia mare de medicamente (Xeloda) și blisterpack-urile goale.
„Într-un fel, a devenit un calendar, un mod de a număra zile”, spune Clements. „Și doar am decis că, pentru mine, ar fi necinstit să nu includ aceste obiecte care au devenit o parte esențială a vieții mele. Au devenit la fel de semnificați și de obișnuiți ca oricare dintre obiectele de pe masă.
„Dar, desigur”, continuă ea, „textul de pe pachetul din caseta de pilule este foarte lizibil, iar textul dintr-o lucrare vizuală poate fi un domeniu de concentrare. Oamenii o văd și o citesc. Are un potențial de a conduce și de a sublinia o narațiune."
Cu toate acestea, narațiunea finală a celor trei tabele din Roma se dovedește a fi mult mai largă decât povestea unei boli. În imagine sunt încorporate fructe, frunziș și o varietate de ambalaje italiene care prezintă un tip colorat și elegant. O lampă și un telefon sunt alăturate de lemnul uzat al unui blat de masă și o privire de gazon și lumină în priveliște printr-o fereastră.
Viața continuă în toate aspectele sale de creștere și degradare. Artifactele electronice sofisticate își ocupă locul alături de formele naturale; un anumit gust pentru plăcere și lejeritate locuiește piesa. Întreaga bogăție a vieții este aici. Dacă unele dintre aspectele sale sunt neapărat mai întunecate decât altele, artistul reușește să ne ofere o privire asupra întregului, cu o bucurie și bucurie considerabile.
Un pătrat pătrat de peluză
Una dintre cele mai neobișnuite acuarele ale Clementului - Iarba - reprezintă o mică suprafață de gazon privită direct de sus, în care fiecare lamă de iarbă și floare sălbatică este explorată cu un ochi aproape obsesiv.
„De multe ori, îl descriu ca un fel de urcare”, spune Clements, referindu-se la o stare de observare intensă. Recunoscând detaliile grele, ea subliniază că, în cazul unor subiecte, detaliile sunt doar inevitabile.
„Dacă desenăm un interior al unei biserici ornamentate, am putea fi considerați obsesivi dacă atragem toate detaliile”, spune ea, „dar într-adevăr, acesta este subiectul”. Clements spune că este interesat de un desen minunat al unui petic de peluza a fost influențată de anumite lucrări ale lui Fra Angelico (italiană; 1395-1455), în care apar alături de figuri secțiuni de gazon, groase cu diverse flori.
„Am fost surprinsă de revelația cât de multe peluze europene seamănă cu peluza Fra Angelico și că peluzele lui Fra Angelico ar putea fi provenite dintr-o experiență observată a mediului său”, spune ea. „Deoarece picturile lui Fra Angelico sunt atât de eterice, niciodată nu le-am crezut că sunt din această lume. Să văd această peluză a lui Fra Angelico în viața din afara ușii studioul meu din Umbria m-a lovit într-un mod puternic. Însăși procesul de desenare a acesteia în fiecare dimineață l-a făcut să fie un accent mai meditativ decât obsesiv.”
Pentru a picta gazonul, Clements a decis că va petrece doar o oră în fiecare zi din ședința ei de șase săptămâni în Umbria pictând o secțiune de aproximativ un pătrat de gazon. A făcut asta peste 23 de zile consecutive. „Ceea ce m-a interesat a fost că gazonul este mereu în creștere”, spune ea. „Uneori, chiar și pe parcursul a 24 de ore, ar fi dificil să-mi găsesc din nou locul.
"Nu sunt un botanist și sunt un grădinar groaznic, dar a fost fascinant doar să petrec timpul cu un pătrat pătrat de gazon."
Despre clementele zorilor
Dawn Clements (d. 2018) a crescut la Chelmsford, Mass., Unde tatăl ei era artist. Unele dintre cele mai vechi amintiri ale ei erau desenate cu el în studioul său. La facultate, a studiat filmul înainte de a îmbrățișa în cele din urmă o carieră în artă. „Știu că muzica și filmul mi-au influențat activitatea și m-au încurajat să ia în considerare modul în care ne mișcăm și încadrăm, interpretăm și prezentăm experiențele noastre în timp ce ne îndreptăm prin viață”, a spus ea. „M-am gândit la observație ca fiind atentă, dar ascultând și atingând. Am ajuns să apreciez puncte de vedere care se mișcă și se schimbă.”
Opera lui Clements a fost expusă pe scară largă de-a lungul mai multor ani, inclusiv la Bienala Whitney 2010. Este inclusă și în colecțiile permanente ale Muzeului de Artă Modernă; Whitney Museum of American Art; Muzeul Tang, din Saratoga Springs, NY; Colecția Deutsche Bank; Colecția Saatchi, la Londra; Galeria de artă Henry; Universitatea din Washington, din Seattle, Wash.; și Serviciile corporative Colecção Madeira, în Portugalia.