Bucurați-vă de acest interviu exclusiv cu maestrul american de acuarelă, Thomas Schaller, de mai jos pentru a afla mai multe despre picturile, inspirațiile, procesul și multe altele.
Vino să studiezi acuarela cu Thomas în faimoasa și frumoasa zonă italiană din luna septembrie, la Retragerea sa în Toscana. Rezervați-vă locul acum!
Am crescut în Ohio rural, singura mea expunere la lumea largă în general și la artă în special a fost prin cărți. Mama și bunica mea aveau destul de o colecție de cărți de artă. Copil, m-aș uita prin ele la nesfârșit; pierzându-se în poveștile, viziunile și imaginațiile artiștilor din paginile respective.
Întotdeauna mi-a plăcut să desenez, să mă pierd în lumile imaginare ale creației mele, cu mult dincolo de ceea ce vedeam ca fiind al meu destul de limitat. Și astfel viața unui artist mi s-a părut cea mai bună posibilă. Și asta a devenit tabloul de primăvară pentru toate visele mele. Logica mea a fost că, dacă nu aș vedea niciodată toate locurile minunate pe care le-am visat, aș putea măcar să-mi desenez și să le pictez pe ale mele - și poate chiar și mai bune - chiar în cartea de schițe.
Și așa a fost în acest cadru de spirit că natura visătoare și fluidă a multor acuarele pe care le-am văzut în acele zile de început a devenit atât de deosebit de rezonantă. Lucrarea jucăușă, puternic imaginativă a lui John Marin și Charles Burchfield s-a lovit cu adevărat de acasă. Și claritatea ascuțită și emoționalitatea cinstită a picturilor în acuarelă ale lui Edward Hopper mă uimește chiar și acum, mulți ani mai târziu.
În afară de cele menționate mai sus, îmi amintesc că am fost șocat la vârsta de aproximativ 10 ani, de imaginile unui număr de peisaje marine din acuarelă de Turner. Eram prea tânăr pentru a înțelege cu adevărat, dar ceva din lumea luminozității și tulburările emoționale din acele opere inspirate m-a atras.
Tocmai lipsa de detalii - lipsa de „răspunsuri” furnizate - m-a obligat mult mai mult decât peisajele marine specifice și articulate create de alții. Turner pare aproape să provoace telespectatorul să rezolve un puzzle sau să dezvăluie un mister în lucrările sale.
Mediul de acuarelă părea ideal pentru acest tip de poveste cu infuzie de lumină, atmosferică și încărcată emoțional. Și încă o face.
Întotdeauna sunt sfătuitor pentru grupurile mele (și pentru mine) să nu pictez ceea ce vedem atât cât ceea ce vedem ne face să simțim. Sau cu alte cuvinte, aș putea spune: „Încercați să vă pictați inspirația reală - nu orice a fost cea care v-a inspirat.”
Și nu vreau să spun că asta sună la fel de criptic sau la fel de pretențios. Ce vreau să spun este că, odată ce începem să pictăm, singura lume în care trăim este acolo pe șevaletul din fața noastră - nicăieri altundeva.
Oricare ar fi viziunea, scena sau ideea care ne-ar fi putut inspira să pictăm, pictura este cea care contează pe termen lung. În opinia mea, este sarcina artistului să aducem o imagine și o viziune emoțională unică picturii noastre; să interpretăm ceea ce vedem, nu doar să încercăm să producem un facsimil.
Artiștii pictează mereu cred, chiar și atunci când nu suntem la șevalet. Pe măsură ce mă mișc prin lume, observ constant modele convingătoare de întuneric și lumină. Și acestea sunt ceea ce mă inspiră mult mai mult decât lucruri sau scene reale.
O mare parte din munca mea este informată și modelată de tipare de lumină. Dar ceea ce mă inspiră cu adevărat sunt ideile mai largi de conexiune - de dialog și tensiune - între forțele opuse: întuneric și lumină, umbră și umbră, cald și rece, pierdut și găsit, etc. Este în contrast și ocazional punte de rezoluție între aceste forțe opuse pe care le pot găsi toate întrebările pe care mi le doresc arta mea să le pună.
Nu merg niciodată nicăieri fără o carte de schițe. Așadar, dacă nu pot picta ceea ce mi-aș fi dorit pe site și în acest moment, voi face întotdeauna o schiță rapidă, aspră și mică, despre orice a fost asta care m-a inspirat. Mult mai mult decât fotografii, aceste schițe sunt instrumente de neprețuit, deoarece îmi înregistrează impresiile, reacțiile, sentimentele mele despre un posibil tablou.
Așadar, dacă zile sau chiar luni mai târziu, aleg să pictez ceva care m-a inspirat, aceste impresii din caietul de schiuri mă pot duce chiar în acel loc, acel moment și îmi voi aminti cum m-am simțit și de ce am vrut să pictez în primul rând. Adesea le completez și cu fotografii, dar încerc să pictez mai mult din schițele mele decât din fotografii, deoarece schițele conțin mai multe lucruri de artă.
Da, aproape întotdeauna. Asemenea schițe nu sunt întotdeauna absolut necesare, dar oricum le fac oricum.
Ele ajută să ancoreze în conștiința mea elementele esențiale ale unei picturi potențiale - cel mai bun format, valorile, organizarea și compoziția formelor întunecate și deschise. De asemenea, îmi spun care sunt elementele esențiale și ce detalii pot fi editate pentru ca tabloul meu să-și spună povestea ei cel mai eficient, fără să fie inclus nimic inutil.
De asemenea, este scopul meu, deoarece pict să mă gândesc mai puțin și să simt mai mult. Așadar, aceste schițe sunt o modalitate foarte bună pentru mine de a-mi scoate toate gândurile înainte. Apoi pot picta dintr-o poziție mai emotivă, mai intuitivă decât aș fi putut altfel.
Nu. Fac totul gratuit pe suprafața finală, fără instrumente speciale sau construcții preliminare în perspectivă. Dar în echitate, am fost o acuarelă arhitecturală comercială de peste 20 de ani, așa că desenul în perspectivă a devenit a doua natură pentru mine.
Mă gândesc la mine ca la un pictor mai valoros. Încă am multe de învățat - bine totul - dar cu siguranță, despre culoare. Pentru mine este important, dar mai puțin decât o compoziție de succes de întunecări și lumini. Nicio culoare nu va salva o pictură care suferă de o serie de valori lipsite de dinamică sau rezistență.
Cu ani în urmă, una dintre primele mele profesoare a fost marea Jeanne Dobie care rămâne una dintre cele mai mari colorate ale noastre. Continui să învăț din învățăturile ei chiar și acum. De la ea am învățat puterea tonurilor complementare și mă adaptez și mă extind pe acea temă de atunci. Lucrez aproape exclusiv în complementare.
Atmosfera, tensiunea satisfăcătoare și energia electrică într-o acuarelă care poate fi obținută atunci când o culoare sângerează în complementul ei este interesantă - și ca nimic altceva care se poate realiza la fel de mult în alt mediu.
Uneori voi face un studiu preliminar al culorilor, dar de obicei nu. Cu toate acestea, am întotdeauna în minte un plan de culoare de bază, o bază a două tonuri complementare care vor stabili tonul pentru tablou. Și am lăsat pictura să se dezvolte așa cum își dorește de acolo.
Ei bine, cred că da, dar este mai precis să spun că există combinații specifice de culori pe care mă bazez în mod constant. Acestea sunt aproape întotdeauna completări, un lucru cald și rece. Așadar Cobalt Blue este o capsă de multe palete, ale mele incluse. Dar niciodată nu mă gândesc la albastru rece de cobalt fără complementul său cald - Red Red sau Orange Cadmium cel mai de obicei pentru mine.
Același lucru este valabil, într-un registru mai profund, pentru Ultramarine Blue și Burnt Sienna; de asemenea violete și galbeni, roșii și verzi de diverse nuanțe. În ultima vreme, am experimentat cu tablouri în care folosesc în primul rând doar o singură culoare, nuanțe de albastru sau nuanțe de violet. Apoi este o provocare interesantă și interesantă să urmărești puterea pe care un mic punct de portocaliu o poate avea într-o pictură albastră, sau o mică zonă de galben într-una purpurie.
Prefer mult pigmenții care sunt în principal pe bază de sedimente. Deoarece folosesc hârtii destul de texturate, acești pigmenți tind să fie puțin mai „grei” atunci când se găsesc într-o soluție de apă și astfel se vor scufunda în fundul unei spălături - așezându-se în indenturile hârtiei și curgând peste vârfuri. Aceasta rezultă din tablouri care au acel strălucire translucid, texturat, care poate fi atât de caracteristic acuarelei.
Din același motiv, tind să evit pigmenții pe bază de pete. Pur și simplu vor vopsi suprafața hârtiei și, pentru mine, pot avea ca rezultat o lucrare care apare mai plat - mai puțin vie.
În rațiune, cu cât este mai texturată cu atât mai bine (din motivele menționate mai sus). Așadar, folosesc cel mai des Saunders Waterford sau Fabriano Artistico. De obicei evit hârtiile mai groase, deoarece tind să absoarbă prea mult pigment și pot aplana aspectul unei lucrări pe măsură ce se usucă. Deci 140lb (300 g) este greutatea pe care o prefer de obicei.
Arches are o textură frumoasă, dar tinde să aibă foarte multe dimensiuni. Deși este excelent pentru marginile mai dure, nu este întotdeauna la fel de bun pentru efectele umede-în-umede. Cu hârtii mai moi, cum ar fi Saunders, soluția de vopsea / apă umedă se va amesteca literalmente în fibrele hârtiei.
Dacă lucrez la o scară mai mare - dimensiunea completă a foii și în sus -, de obicei, am să așez hârtia în jos pe o targă pentru a evita problemele de flambaj. Dacă folosesc un stoc cu dimensiuni mari, îl voi înmuia și o voi întinde la fel de bine înainte de a se capsa.
Dar pentru lucrări mai mici - dimensiunea unei jumătăți de foaie sau cam așa ceva - de obicei este suficient să atingeți hârtia până pe o placă. Se poate catara un pic atunci când este destul de umed, dar se va usca absolut plat.
Aceasta este o întrebare grozavă, dar una fără un răspuns clar. Aș spune că, chiar și atunci când cred că pot spune, greșesc adesea. De fapt, am greșit chiar să pun această întrebare.
Ceea ce se poate întâmpla adesea este că avem o noțiune preconcepută în capul nostru cu privire la modul în care credem că pictura „ar trebui” să meargă sau cum ar trebui să arate. Însă, undeva pe parcurs, se face un viraj la stânga și reacționăm prost. Acesta este răspunsul greșit. Să lași drumul acestor noțiuni pentru a începe și să înveți să-ți asculți tabloul pe măsură ce evoluează este cea corectă.
Pictura știe de multe ori ce vrea sau are nevoie de mai mult decât tine. Ceea ce continui să învăț este importanța de a avea un plan de ansamblu, dar și de a avea disponibilitatea de a da drumul acelui plan dacă tabloul îmi spune că vrea să meargă într-o altă direcție.
Acuarela este un mediu care nu poate și nu ar trebui să fie niciodată controlat complet sau „stăpânit”. Când mă pierd în procesul picturii - când îmi opresc mintea critică și pictez doar din intuiție și simțire - voi ieși întotdeauna cu o pictură mai reușită decât aș face dacă aș încerca să îndoi și să forțez mediumul într-o cutie preconcepută. Tabloul rezultat poate fi foarte diferit de ceea ce mi-am imaginat inițial că ar fi. Dar aproape întotdeauna va fi mai bine.
Cel mai bun sfat pentru cei mai mulți pe orice subiect ar fi să nu luați prea multe sfaturi. Chiar vreau să spun asta și nu în vreun mod ironic. Da, desigur, ar trebui să studiem de la masterat; ar trebui să învățăm și să ne inspirăm din ele. Ele pot să deschidă ochii și să ne ușureze drumul.
Dar, până la urmă, pentru a deveni bun la orice, trebuie doar să fim dispuși să punem în timp și efortul de a ne cunoaște pe noi înșine și de a ne forța propriile căi. Doar în acest sens, putem spera vreodată să ne găsim propria voce, să facem cunoștință cu propriile noastre pasiuni și surse de inspirație.
Și pe cât posibil, ar trebui să încercăm să nu ne comparăm prea mult cu nimeni altcineva. A face acest lucru poate deveni un fel de otravă. Crește un tip de competitivitate nesănătoasă și poate încuraja atât îndoieli de sine inutile, cât și mândrie inutile - ambele capcane periculoase.
Este absurd să credem că am putea stăpâni pe deplin acuarela. Dar ar trebui să pictăm ca și cum am crede că putem. Îmi doresc ca noi toți să iubim procesul de a ne strădui, de a învăța și de a îmbunătăți - pictura prin pictură - ca o desfășurare veselă a vieții.
La urma urmei, nu există nicio modalitate „corectă” de a picta în acuarelă sau de a face cel mai mult pentru chestiunea respectivă. Există doar modul în care funcționează cel mai bine pentru tine, doar modul în care propria ta voce unică poate fi formată și poate fi auzită spunând poveștile despre care singur ai putea cunoaște vreodată cuvintele.
Mai multe despre Thomas Schaller
După o carieră de 20 de ani la New York ca arhitect și artist arhitectural, Thomas Schaller este acum bazat în LA, unde lucrează cu normă întreagă ca pictori de pictură în acuarelă. Membru semnatar al AWS și al NWWS, Tom a fost ales de asemenea recent ca artist membru al California Art Club și al Salmagundi Club din New York.
Opera lui Schaller a fost acceptată în multe expoziții de prestigiu din întreaga lume - inclusiv în cadrul expoziției American Masters, NYC; Societatea Americană de Acuarelă; Societatea Națională de Acuarelă; Expoziția cu medalii de aur a Clubului de Artă din California; Bienala de acuarelă din Shenzhen, China; bienala internațională de acuarelă Zhujiajiao, China; Expoziția Masters of Watercolor, St. Petersberg; The World Watermedia Exposition, Thailanda; Acquarello în Fabriano, Italia; Eau en Couleurs, Belgia; Salon de L’Aquarelle du Haillan, Franța.