Joseph McGurl a crescut sub tutela artistică a talentatului său tată, cultivând o pasiune pentru plimbare cu barca și o iubire a mării. Această influență timpurie, împreună cu anii de muncă și practică grea, l-au făcut unul dintre cei mai importanți pictori de peisaj din zilele noastre, iar în acest interviu își împărtășește cunoștințele, experiența și cunoștințele despre arta picturii naturii.
|
|
Coasta principală a Soarelui de Joseph McGurl, 2008, ulei, 18 x 24. Courtesy Tree's Place, Orleans, Massachusetts. |
Interviu realizat de Allison Malafronte
Artist american: Vă rugăm să vorbiți puțin despre pregătirea dvs. de artă, în special rolul influent pe care tatăl vostru l-a jucat în a vă inspira să deveniți artist
Joseph McGurl: Ar trebui să mă prefațez răspunsurile, spunând că știu că mulți artiști nu vor fi de acord cu unele dintre lucrurile pe care le spun. Acest lucru este bun și așa ar trebui să fie. Dacă toată lumea ar fi de acord cu părerile mele, toată lumea ar picta ca mine, iar arta ar fi foarte plictisitoare.
De când aveam vreo 5 ani, știam că vreau să devin artist. Probabil asta pentru că tatăl meu era unul și părea firesc și îmi plăcea să desenez. Pe lângă faptul că sunt un model, tatăl meu m-a ajutat să-mi corectez desenele atunci când nu am putut vedea de ce nu arătau corect. În adolescență, l-am ajutat cu lucrările sale, care includeau picturi murale, marmorizare, stenciling, pictură statuară, grătare din lemn, pictură decorativă, redare arhitecturală, proiectare monument și aproape orice are legătură cu vopseaua. Am vopsit mai ales în fundal, am curățat perii, am vopsit și am efectuat alte sarcini asociate. La o vârstă fragedă am devenit, de asemenea, confortabil folosind vopsea și exploatând calitățile sale asociate. Probabil cel mai profund impact pe care tatăl meu l-a avut asupra mea a fost etica sa dedicată muncii sale. El a trebuit să-și dea seama de o modalitate de a sprijini o familie de șapte și a fost capabil să o facă prin talentul și munca grea. Am lucrat zile lungi.
De-a lungul adolescenței mele, am participat la orele de sâmbătă la Muzeul de Arte Plastice din Boston, sub Ralph Rosenthal. El a fost un alt model de rol care, printre multe alte lucruri, m-a învățat să analizez ceea ce desenam sau picteam pentru a-l înțelege mai bine și a-l înfățișa într-o manieră mai convingătoare, ceea ce era important pentru mine. Am urmat facultatea de artă și design din Massachusetts și am absolvit o dublă masă în educație și pictură. În realitate nu s-a pus prea mult accentul academic pe elementele de bază ale desenului și picturii și am simțit că educația mea este incompletă. Ulterior, am aflat despre discipolii de la Școala din Boston și despre abordarea lor în desen, care s-a bazat pe învățăturile Academiei Franceze. Această abordare a desenului a evoluat de-a lungul a sute de ani pentru a deveni o metodă foarte eficientă de formare a studenților pentru a vedea clar și a desena cu precizie. Am studiat desenul de figuri sub Robert Cormier și a devenit într-adevăr un moment de cotitură în capacitatea mea de a exprima ceea ce am fost după.
|
|
| Trecând pe dig
de Joseph McGurl, 2008, ulei, 23 x 25. Colecția Galeriilor Robert Wilson, Nantucket, Massachusetts. |
AA: După ce ai studiat desenul de figuri cu Robert Cormier, ce te-a dus la genul peisajului?
JM: În anii mei mai tineri am pictat, sculptat, realizat printuri și am făcut tot felul de proiecte de artă. Treptat, tipurile de artă și materiale care mi-au oferit cea mai mare satisfacție le-au dat peste cele pe care le-am găsit mai puțin interesante. Am primit cel mai emoționant feedback din peisaje și am decis să nu-mi petrec timp pentru o muncă mai puțin încântătoare. Dacă nu sunt total angajat cu ceea ce pictez, își pierde emoția și cred că lipsa pasiunii devine evidentă. Deși îmi place să desenez figura, a fost într-adevăr un mijloc spre final. Am vrut să desenez mai bine, iar metoda învățată de artiștii de la Școala din Boston este cea mai bună metodă de a face asta.
AA: Cât timp ați studiat arta în Anglia și Italia? În această perioadă v-ați interesat de abordarea tradițională a Maestrului Vechi în pictură?
JM: Acestea au fost programe de vară pe care le-am luat la facultate. Călătoria în Anglia a fost la Universitatea din Londra. Din păcate, departamentul de arte fine nu a fost bine condus și s-a dovedit dezamăgitor. Istoria artei a fost mai bună. Valoarea reală a fost să mergem la muzee și să vedem pe constănțeni și Turners. M-am dus și în Olanda să văd stăpânii olandezi. Aceasta a fost momentul în care mi-am dat seama că pot învăța mult mai multe studiind arta în muzee. Călătoria în Italia a fost condusă de Universitatea Boston și a fost excelentă. Profesorul de istorie de artă, Sam Edgerton, a fost unul dintre cei mai buni profesori pe care i-am avut vreodată. Încă o dată, am devenit cuprinsă de lucrările de artă din muzee. Acest lucru m-a învățat că cel mai bun mod de a aborda arta mea a fost să învăț de la cei care au venit înaintea mea și să încerc să o avansez puțin, dezvoltând și propria mea identitate.
AA: Artiștii admiră adesea opera de artă pentru abilitatea ta de a capta lumina și de a crea luminozitate și atmosferă. Ați putea rezuma cum faceți acest lucru, atât din punct de vedere tehnic, cât și din punct de vedere mental?
JM: Aspectele tehnice ale picturii luminii și atmosferei sunt destul de simple. Se reduce într-adevăr la amestecarea culorii și valorii potrivite pentru o anumită locație din spațiul iluzionar din tablou. Uneori voi modifica un pasaj cu o glazură sau cu un scrum. De asemenea, folosesc textura, sau lipsa acesteia, pentru a ajuta la definirea spațiului și a luminii. Unul dintre lucrurile pe care le-am învățat de la maeștri este că vopseaua groasă ajută la aducerea obiectelor înainte și face ca obiectele ușoare să pară mai strălucitoare, așa că voi folosi frecvent acest „truc”. Vopsea subțire și transparentă conferă adâncime unui tablou. Importanța exactității culorii și a valorii devine evidentă pentru mine când văd o reproducere a unuia dintre tablourile mele. Uneori, o anumită culoare sau valoare nu se va reproduce corect și sare din poziția sa în spațiu.
Mintal, este cu adevărat important să imaginăm scena în trei dimensiuni. Am petrecut ani de zile studiind peisajul și încercând să înțeleg ce se întâmplă și de ce. De exemplu, culoarea unui obiect se schimbă pe măsură ce se retrage la distanță diferit la apus decât la amiază. Înțelegând cum spațiul și lumina afectează culoarea și valoarea, puteți exagera sau minimiza culorile pentru a împinge adâncimea și mai mult. Amintiți-vă, încercați să pictați un spațiu tridimensional pe o suprafață plană și lumina soarelui doar cu pigmenți, așa că nu puteți picta doar ceea ce vedeți. Trebuie să pictezi și tu ceea ce știi, pentru a exploata toate posibilitățile.
|
|
| Peste mare
de Joseph McGurl, 2007, ulei, 24 x 36. Colecție privată. |
AA: Vă rugăm să descrieți conexiunea dvs. la mare, inclusiv „studioul plutitor”, Atelier
JM: Am crescut pe apă și mi-am petrecut verile înotând, plimbând cu barca și explorând insulele și golfurile din apropiere. Probabil există motive psihologice pentru care am o legătură atât de puternică cu oceanul, dar există și altele artistice. Oceanul și coasta au atât de multe aspecte din ceea ce mă interesează intelectual și vizual despre lumea noastră. Există spațiu nesfârșit și lumină minunată, care sunt subiecte primare în arta mea. Nu este un mediu static. Soarele, valul, modelele vântului și formațiunile de nori se schimbă în minut. De asemenea, mă atrage provocarea de a încerca să pictez adâncimea, reflectarea, transparența, greutatea și mișcarea oceanului.
Pictez din bărci de când eram adolescent. La începutul anilor 20 am lucrat ca căpitan de iaht și am folosit vase de pictură de atunci. Atelierul este cel mai recent. Este o barcă cu pânze echipată cu ketch-lungime de 44 de metri. A fost construit în 1965 și are linii frumoase, clasice. Atât de multe bărci moderne sunt urâte și arată mai mult ca aparate de bucătărie decât bărci. Familia mea și cu mine petrecem cea mai mare parte a verii navigând prin New England și pictăm foarte des de la bord sau luăm dinghy-ul la țărm și pictăm de pe țara care privește. Navigarea îmi oferă o mai bună înțelegere a subiectului meu.
AA: Care este procesul tău de aer plin? Cât de important este pentru dvs. să creați studii și schițe la fața locului, spre deosebire de utilizarea fotografiilor ca referințe pentru lucrările dvs. de studio?
JM: Încerc să îmi port răspunsul la lumea reală - nu la o reprezentare vizuală plană a acesteia. Încerc să pictez întregul copac, chiar și partea pe care nu o puteți vedea. Încerc să pictez și un copac viu care va muri iarna și va înflori din nou în primăvară. Știința ne-a învățat că spațiul și timpul nu sunt statice și că la nivel subatomic există o frenezie a activității. Știind acest lucru, nu pot picta dintr-o fotografie lipsită de toate aceste realități. Încerc, de asemenea, să înțeleg natura în cel mai complet mod posibil, iar studierea ei cu atenție în timp ce o interpretez în vopsea este cel mai eficient mod în care știu să realizez acest lucru. Provocarea de a intra pe teren doar cu vopselele mele și a pleca cu o imagine utilă este de asemenea atrăgătoare. Uneori, nu am suficient timp pentru a surprinde un anumit efect, dar așa se întâmplă. Este dificil să te bazezi doar pe propriile observații și poate părea mai ușor să pictezi din fotografii, dar obiectivul meu nu este să îl fac cel mai simplu, ci cel mai bun mod. Ca toată lumea, uneori am tendința de a fi leneș și, dacă știu că am o fotografie care să mă sprijine, este posibil să nu arăt la fel de greu sau să lucrez atât de mult la schița cum ar trebui.
AA: Pentru acei artiști care nu sunt capabili să obțină un loc extrem de râvnit într-unul din cele două ateliere anuale dvs., vă rugăm să le oferiți o imagine de ansamblu asupra a ceea ce vă concentrați într-un atelier tipic.
JM: Încerc să îi ajut pe participanți să vadă peisajul în termeni mai simplificați și să le arăt câteva trucuri practice pe care le-am învățat pentru a ușura pictura în aer liber. Există atât de multe informații de rezolvat. Cred că pictura în aer plin este cea mai grea formă de artă de stăpânit. Pe lângă preocupările obișnuite de concepție, compoziție, desen, valoare și culoare, pictorii de aer plin au o cantitate infinită de detalii de simplificat. Gama de valori nu este suficient de largă pentru a picta strălucirea soarelui sau adâncimea unei umbre și cum se pictează cinci mile distanță, mișcarea valurilor sau toate frunzele unui copac? În plus, lumina se schimbă constant, poate fi caldă sau vântoasă, soarele îți este în ochi și trebuie să-ți limitezi proviziile la elementele esențiale goale.
În atelierele mele, încep cu o imagine de ansamblu asupra procesului meu de pictură și le arăt elevilor echipamentul de pictură și lucrurile care au ușurat procedura puțin mai ușoară. Apoi abordez prin demonstrații și critici câteva dintre problemele principale pe care majoritatea participanților le au în pictura peisajului. Un exemplu este că ei pierd din vedere faptul că fiecare obiect are o formă certă. O stâncă și un copac au forme subiacente similare. Texturile superficiale superficiale îi confundă pe elevi. Discut despre importanța de a vedea adevărata formă a obiectului și apoi de a concepe metode scurte de a implica textura acelui obiect. De asemenea, petrec mult timp în perspectivă liniară și atmosferică pentru a-i ajuta să creeze profunzime în tablou. De obicei, voi face o demonstrație dimineața și apoi lucrează la tablourile lor după-amiaza. Petrec cel puțin o sesiune demo în studio, care arată procesul mecanic de realizare a unei picturi de studio dintr-o schiță. De asemenea, arată câteva dintre instrumentele unice pe care le folosesc uneori și discut despre modul în care am înființat studioul. Această demonstrație include unele metode de manipulare a vopselei, cum ar fi vitrarea, impasto-ul și scraffito-ul.
|
|
| Pace
de Joseph McGurl, 2008, ulei, 24 x 36. Courtesy Tree's Place, Orleans, Massachusetts. |
AA: Credeți că este posibil să învățați artiștii să picteze la nivelul de abilități și abilități pe care le-ați obținut? Este transferabil sau crezi că este ceva cu care te naști înnăscut?
JM: Cred că este puțin din amândouă. Trebuie să ai un talent și trebuie să ai o pregătire. De asemenea, trebuie să muncești foarte mult la asta mult timp. La fel cum medicii sau instalatorii trebuie să-și plătească datoriile, artiștii fac și ei. Când mă uit înapoi la opera de artă pe care o făceam în 20 de ani, a fost foarte rău, dar în cele din urmă s-a îmbunătățit.
AA: Ce artiști de peisaj, trecut și prezent, admirați?
JM: Artiștii trecuți includ Frederic Edwin Church, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F. Kensett, JMW Turner, Arthur Streeton, John Singer Sargent și Hugh Bolton Jones. Pentru artiștii contemporani, Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López García, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt, Ken Auster.
AA: Ce te inspiră cel mai mult ca artist? Unde vă orientați pentru motivație creativă?
JM: Uneori mă inspir văzând o emisiune la o galerie sau muzeu. Când pictez afară cu alți artiști, mă inspiră modul în care vor adopta o abordare diferită a aceleiași scene. De asemenea, natura sub toate formele ei - uneori cu amprenta omului - este probabil cel mai inspirat mod de a mă entuziasma în pictură.
Pentru a fi motivat creativ, merg doar la muncă. Uneori m-am gândit toată noaptea la o anumită problemă și, dacă cred că am găsit soluția, mă entuziasmă de munca zilei următoare. Alteori nu mă simt deosebit de creativ, dar trebuie să fiu productivă. Mă ocup de munca mea și de multe ori inspirația vine după un timp. Uneori acestea ajung să fie zilele mele cele mai bune, iar ziua trece prea repede.
Pentru mai multe informații despre Joseph McGurl, vizitați site-ul său la www.josephmcgurl.com.
|
|
Weekend cu instructorul de masterat
Joseph McGurl va preda două ateliere de master și va demonstra în cadrul week-end-ului artiștilor americani Cu Masters Workshop & Conference, 10-13 septembrie, 2009. Pentru mai multe informații, vizitați www.aamastersweekend.com. |
