Pe măsură ce studiază desenul, poate fi util să înveți de la maeștrii care au venit înainte pentru a obține inspirație și a găsi modalități de abordare a provocărilor care apar. Pentru cei care descoperă desenul, există mai mulți proiectanți de la care se poate învăța.
de Naomi Ekperigin
Portretul madamei d'Haussonville de Jean-Auguste- Dominique Ingres, cca. 1842, grafit, 9 3/16 x 7¾. Colecția Muzeul de Artă Fogg la Universitatea Harvard, Cambridge, Massachusetts. |
„Cred că desenul este fundamentul întregii arte”, spune artista Mary Reilly. Nu este singură în acest sentiment. Mulți artiști cred că abilitățile de desen sunt cruciale pentru a lucra în orice mediu, chiar dacă desenul nu este interesul principal al cuiva. De la început, au existat artiști care au apreciat desenele ca fiind lucrări finalizate la propriu. Acești artiști au ridicat în continuare mediul și au demonstrat lățimea posibilităților disponibile celor care doresc să exploreze desenul în continuare.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Pictorul neoclasic francez, Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) a fost un proiectant născut. De la o vârstă fragedă, tatăl său și-a hrănit abilitățile de desen, iar la 17 ani Ingres a plecat la Paris pentru a studia sub Jacques-Louis David, care a fost „țarul de artă” oficial al lui Napoleon în timpul Revoluției franceze. Deși profund influențat de pictorul renascentist Rafael, și de un pictor înzestrat în sine, este vorba despre desenele și portretele lui Ingres pentru care este cel mai cunoscut.
Ingres s-a mutat în Italia în 1808 după ce a câștigat Marele Premiu de Roma, cea mai bună bursă de artă a Franței. Acolo, el și-a perfecționat meșteșugul, inspirat din activitatea Maestrilor Vechi. Pentru a-și susține singur și soția, a acceptat comisioane de pictură din partea statului și a completat sute de portrete de grafit pentru turiști, demnitari călători și emigranți înstăriți. Aceste mici portrete sunt „opere de artă grozave, prinse într-un miracol de talent, trăsături, poze, costume, atmosferă și personaj”, a scris istoricul de artă Stephen Longstreet. „Oamenii sunt reali. Ei respiră și există solid pe pământ.”
Fișă Studii despre femei pentru baia turcească de Jean-Auguste- Dominique Ingres, cca. 1830, stilou, cerneală maro și grafit pe două foi combinate, 6¾ x 4¾. Colecția Luvru, Paris, Franța. |
Capacitatea de a surprinde realitatea se datora abilității sale tehnice și familiarității cu anatomia. Cu o astfel de cunoaștere înnăscută a formei umane, artistul ar putea reda draperia în mod corespunzător într-un mod care a urmat forma corpului în fiecare cută și pliere. Abilitatea artistului de a surprinde o asemănare a venit din devotamentul său pentru exactitate, pe care l-a dezvoltat prin desen. Ingres era un sertar compulsiv, îndemnându-i pe elevi să deseneze cu ochii atunci când nu puteau face acest lucru cu un creion. Pentru portretele și picturile sale pictate, făcea uneori sute de desene pregătitoare. Părea să găsească acest pas al procesului mai satisfăcător decât pictura reală a picturilor murale, pe care uneori le abandona. „Etapele au fost: studierea vieții, înfășurarea adevărului din experiență, pătrunderea, mărirea, transportul pe pânză, întoarcerea, dacă este necesar, modelului pentru acest sau acel detaliu”, a scris Avigdor Arikha în JAD Ingres: Fifty Life Drawings From the Musée Ingres la Montauban, catalogul pentru o expoziție la Muzeul de Arte Plastice din Houston. „Solicitându-i contelui de Pastoret mănușile sau să se întoarcă la brațul stâng al doamnei Moitessier, desenându-l ca mărime de viață, astfel încât să-l transpună direct pe pânză, întorcându-l din nou și din nou. Acesta este momentul în care Ingres s-a împiedicat. A fost o procedură prea elaborată - aproape obsesivă - al cărei obiectiv era să se apropie de adevărul chestiunii."
Artiști de toate nivelurile pot afla din atenția Ingres pentru detalii. Etica sa de muncă era admirabilă și a creat desene care erau atât de plăcute din punct de vedere tehnic, cât și rezonante emoționale. „Dintre toți maeștrii pe care i-am studiat, cel mai mult mi-a plăcut munca lui Ingres”, spune Reilly. Materialele preferate de Ingres au fost creionul de grafit ascuțit și hârtia albă netedă. El credea că culoarea nu este mai mult decât un accesoriu pentru desen. Pentru el, desenul nu era doar linia. A fost expresia, forma interioară, compoziția și modelarea.”Este această viziune care a influențat arta modernă din secolul XX și generații de artiști de la Degas până la Dinnerstein.
Femeie nud așezată de Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Colecția Mitropolitul Muzeul de Artă, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
La fel ca Ingres, Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) a fost apreciat ca pictor, dar desenul a fost temelia lucrării sale. Cunoscut la vremea sa pentru picturile sale alegorice și mitologice, desenele sale de figură sunt cele care inspiră și uimește spectatorii. Fiind student la artă la Academia Dijon, la începutul anilor 1780, Prud'hon s-a dedicat pregătirii riguroase în desen care a fost considerată necesară pentru toți cei care sperau la o carieră de succes ca artist. Académii - studii fantastice extrase din modelul live - au fost modul în care elevii și-au perfecționat abilitățile, completând sute de desene până la momentul în care erau pregătiți să își exercite meseriile. Procesul a durat ani de zile și a eliminat o serie de aspiranți, fie din lipsă de dăruire, fie de talent. În timp ce această pregătire riguroasă și îndelungată poate părea greoaie pentru studenții de astăzi, aceste desene ale figurilor au fost cruciale pentru artiști, mulți dintre ei au creat aceste studii pe parcursul carierei lor pentru idei și practică.
Académie a unui bărbat așezat de Pierre-Paul Prud'hon, creta alb-negru pe hârtie albastră, 14 9/17 x 10 ?. Colecția Museé Baron Martin, Grey, Franța. |
Prud'hon a fost un astfel de artist și, mai mult decât contemporanii săi, s-a agățat de académii de-a lungul carierei sale. Ceea ce este și mai de remarcat, poate, este faptul că Prud'hon a venit să favorizeze aceste desene de figură peste tablourile finalizate, chiar în timp ce cariera sa a avansat. Până în 1788, artistul dezvoltase un stil de semnătură al unor figuri desenate cu cretă colorată pe hârtie vopsită. Desenele sunt adesea construite în mai multe straturi, inclusiv ecloziune și pasaje largi de tonifiere și împiedicare. Amestecând linii, tonuri și diverse tehnici, Prud'hon a prezentat artiștilor întreaga gamă de posibilități expresive de cretă și hârtie. „Studiile lui Prud’hon transmit un puternic sentiment de emoție”, spune Reilly. „Semnele lui par libere și libere, dar sunt perfect plasate”, este de acord artistul Kenneth Procter, „Prud’hon a completat câteva desene în care miezul umbrei curge ca o dungă pe întreaga lungime a unei pose, expunând fiecare nuanță de mușchi. -Este absolut uimitor. Cu cunoștințele sale despre corpul uman atât de adânc înrădăcinat, el s-ar putea concentra pe subiectul său și l-ar putea îmbogăți de viață, marcând repede și răspunzând imediat la propriile gânduri fără a-și face griji despre anatomie sau veridicitate.
La o vârstă fragedă, Prudhon a adăugat „Paul” numelui său, în onoarea pictorului flamand Peter Paul Rubens (1577-1640), care a fost și un maestru-rector. Prud'hon a împărtășit dragostea artistului față de figura umană și cunoașterea aprofundată a anatomiei, dar de aici se termină asemănările. Rubens a fost un susținător al stilului baroc, cunoscut pentru accentul său pe culoare, detalii generoase și mișcare dinamică. Pe de altă parte, Prud'hon a îndepărtat mișcarea dramatică și s-a concentrat asupra modului în care lumina se mișca prin forme. Totuși, ceea ce a învățat Prud'hon de la predecesorul său este importanța creării continue a unei noi lucrări, indiferent de stil. Rubens a fost unul dintre cei mai prolifici și mai diversi artiști ai vremii sale, cu o ieșire care a inclus retele, picturi de istorie, portrete și peisaje, precum și ilustrații de carte și designuri arhitecturale.
Adormirea Maicii Domnului de Peter Paul Rubens, cca. 1612, cerneală maro și spălare maro, culoarea corpului alb și creta neagră pe maro hârtie, 11? x 9 ?. Colecția Albertina Muzeul Viena, Austria. |
Tânără așezată cu brațele ridicate de Peter Paul Rubens, 1631–1632, creta neagra si rosie cu alb înălțime, 16 x 19 11/16. Colecția Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Germania. |
Peter Paul Rubens
În plus, artistul a produs sute de desene, care au jucat o varietate de roluri de susținere în opera sa încă de la începutul carierei sale. Ca tânăr artist, și-a petrecut mare parte din timp copiind opere de master; o mutare în Italia în 1600 și-a mutat subiectul în opera maeștrilor Renașterii. Scopul desenării lucrărilor lui Titian, Michelangelo și Raphael nu a fost pur și simplu să învețe. După cum notează artistul-instructor John A. Parks, „A fost, de fapt, o încercare de a răscumpăra iconografia și compozițiile disponibile, astfel încât să poată strânge o bibliotecă personală de imagini pentru o utilizare ulterioară. Ceea ce artistul a apreciat cel mai mult în aceste desene nu a fost caligrafia personală sau calitatea redării, ci pur și simplu informațiile despre design.”
Rubens a folosit această bibliotecă de imagini pentru a servi drept inspirație pentru retablele mari pe care i s-a însărcinat să le creeze. El ar începe aceste mari lucrări cu un desen preliminar cu cretă neagră sau maro, apoi ar crea o schiță de ulei. După aceasta, artistul a revenit la desen, realizând piese mai mari din modele vii folosind cretă neagră. Acest desen mai mare i-a permis să includă mai multe detalii și acuratețe anatomice și să-și infuzeze subiectul cu o vivacitate de care erau mândri artiștii baroci.
Deși, probabil, Rubens s-a gândit puțin la desenele sale, artiștii de astăzi pot extrage mult din lucrările sale pregătitoare. Desenele sale au servit pentru a-și îmbogăți picturile și l-au ajutat în fiecare etapă a procesului. Când a pus în sfârșit uleiul pe pânză, a avut o viziune clară și a fost sigur cum să-l execute. Prin desen, Rubens și-a extins vocabularul vizual, permițându-i să creeze sute de lucrări strălucitoare.
Femeie cu un copil mort de Käthe Kollwitz, 1903, gravură. Colecția Galeriei Naționale din Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Pictorul, printul și sculptorul german Käthe Kollwitz (1867-1945), poate fi mai cunoscut pentru subiectul său decât îndemânarea. Gravurile, litografiile și desenele ei erau în primul rând oameni ai clasei muncitoare pe care le-a văzut în jurul ei și le-a prezentat spectatorilor povești emoționante despre suferința și lupta umană. Legătura ei emoțională profundă cu subiecții i-a permis să creeze artă care încă rezonează cu publicul de azi și poate inspira artiștii care doresc să abordeze subiecte personale și / sau politice. „Am fost preluată de munca timpurie a lui Kollwitz și de profunzimea formei pe care a obținut-o din opera ei liniară”, spune artistul și instructorul Dan Gheno. „Am apreciat și forța emoțională din activitatea ei. Ea m-a învățat că pot merge mult mai departe decât forma de suprafață dacă mă uit în interiorul meu.”
Auto portret de Käthe Kollwitz, 1924, litografie. |
Kollwitz a lucrat deseori în cicluri, abordând subiectul răscoalelor și schimbărilor istorice. Prima dintre aceste serii a fost The Weavers, care consta din trei litografii și trei gravuri, bazate pe dramatizarea dramatizării germane Gerhart Hauptmann despre revolta eșuată din 1842. Lucrările lui Kollwitz nu erau o ilustrare literală a faptelor istorice sau adaptarea lui Hauptmann; în schimb, ea s-a concentrat pe mizeria, speranța și forța muncitorilor. Când aceste piese au fost expuse publicului în 1898, artista a obținut o aclamare largă și este încă unul dintre cele mai cunoscute proiecte ale sale. Aceasta a fost urmată mai târziu de seria ei Războiul țăranilor (1902-1908), bazat pe rebeliunea țăranilor germani din 1522-1525. Până la această serie, artista era considerată unul dintre cei mai importanți artiști grafici germani din vremea ei.
Pe lângă faptul că i-a variat subiectul, Kollwitz a explorat o serie de tehnici în realizarea tipografiei cu aceste serii, inclusiv gravură fotografică, intaglio și imprimare litografică color. În acest moment, ea și-a simplificat munca, lăsând în urmă abordarea realistă extrem de detaliată în favoarea unei narațiuni a emoțiilor. Acest angajament față de temele umaniste și o legătură emoțională ajută la distingerea operei lui Kollwitz.
Portretul lui Igor Stravinsky de Pablo Picasso, 1920, grafit, Colecția Museé Picasso, Paris, Franta. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) este un artist de renume internațional, unul care a trăit în Europa în perioadele tulburi și și-a folosit arta pentru a interpreta schimbările rapide și, uneori violente, care au avut loc în jurul său. În timp ce artistul a completat sute de tablouri pentru care este bine cunoscut, desenele sale sunt în centrul operei sale. „Inima evoluției lui Picasso ca artist și icoană se află în proiectarea sa - de aici au fost generate experimentările și descoperirile sale vizuale”, spune artista și profesoara Lisa Dinhofer. Artist cu cunoștințe profunde despre fundamentele și o pregătire academică extinsă, Picasso a reușit să deconstruiască un subiect, redându-l în cele mai puține linii necesare și să ajungă la esența sa. „Este nevoie de cunoștințele detaliate ale unui proiectant principal pentru a înfățișa un obiect în forma sa cea mai simplă”, spune Dinhofer. „Nu cu o marcă Conté înmuiată, nu cu o acumulare încrucișată pentru volum, nu în nuanțe stratificate de grafit pentru a modela o zonă, ci cu o linie directă care transportă toată forma și spațiul.”
Nusch Eluard de Pablo Picasso, 1938, cărbune și grafit pe pânză. |
Lucrările lui Picasso au indicat formele interioare și exterioare ale subiectului său și a putut completa planul imaginii prin eliminarea detaliilor volumetrice. Acest lucru poate fi văzut în portrete precum Max Jacob, Portretul lui Erik Satie și Helena Rubenstein. Privind experimentarea sa cu linia și formele, artiștii pot înțelege modul în care Picasso a forțat spectatorii să vadă obiectele în moduri noi și încă ne împinge limitele în ziua de azi. Capodopera sa Guernica, creată în 1937, întruchipează teoriile schimbării și experimentarea artistului cu linia. După cum remarcă Dinhofer, „Compoziția se bazează exclusiv pe juxtapunerea spațiului și a liniei. Interiorul și peisajul descris sunt aplatizate, împingând fiecare figură în prim plan. Rezultatul este un atac de putere… realizat cu o linie îndrăzneață, neîntreruptă, forme decupate și un plan de imagine comprimat.”