Mulți dintre marii profesori care l-au instruit pe Daniel Graves au fost prezentați în American Artist în anii ’70, în timp ce el și elevii săi au fost profilați în probleme mai recente. Pe măsură ce revista sărbătorește cea de-a 70-a aniversare, examinăm educația artistică academică pe care Graves și-a dedicat o parte din cariera sa păstrării.
de M. Stephen Doherty
Mirele 2005, ulei, 48 x 32. Galeria curtoazie Grenning, Sag Harbor, New York. |
Mulți dintre realiștii importanți ai secolului XX au fost profilați în American Artist, iar acele articole de prezentare au avut o influență puternică asupra pictorilor cărora le este foame de informații care ar putea informa și instrui eforturile lor creative. Daniel Graves a avut norocul să studieze cu mai mulți dintre acești artiști influenți, printre care Joseph Sheppard, Frank Russell, Richard Serrin, Richard Lack, Pietro Annigoni și Nerina Simi; iar el a fost profilat în coperta de decembrie 1988. De atunci, Graves a continuat să transmită marea pregătire pe care a primit-o noilor generații de artiști, iar revista a prezentat o serie de foștii săi studenți, dintre care unii predau acum în Statele Unite și Europa.
Deoarece Graves este una dintre legăturile importante dintre trecut și prezent, credem că este oportun să-l vizităm încă o dată în acest an aniversar. Din fericire, el a scris pe larg despre starea actuală a artelor reprezentative, propriul său fundal și misiunea care-l conduce în continuare ca artist și profesor. Următorul este un extras din eseul pe care Graves a scris-o, care ajută să explice tradiția pe care o poartă și metodologia pe care o folosește pentru a conecta noile generații de artiști la acea tradiție.
După ce am dedicat o mare parte din viața mea, atât ca artist, cât și ca profesor, artelor reprezentative, sunt foarte încântat să văd că, încă o dată, un număr tot mai mare de oameni găsesc imagini redate mai tradițional pentru ele. Tradiția la care mă refer este cea a spiritului umanist în arta occidentală.
O expoziție a lucrărilor Graves va fii la vedere la Eleanor Galeria Ettinger, din New York, începând cu 8 martie 2007. Pentru mai multe informații despre morminte, vizitați site-ul său la www.danielgraves.com. Pentru a citi textul complet al lui eseu sau pentru a afla mai multe despre Academia de Artă din Florența, vizitați site-ul școlii la www.florenceacademyofart.com. Pentru o listă a altor școli de artă menținerea tradiției Graves descrie, vizitați site-ul web al Centrului de reînnoire a artei. |
Când am început studiile în 1968 cu Joseph Sheppard și Frank Russell la Colegiul de Artă din Maryland Institute, în Baltimore, cele mai multe, dacă nu toate, tradițiile demne ale educației artistice au fost legate de atelierele din Europa din secolul al XIX-lea. Informațiile primite de studenți au fost transmise încă de la Renaștere, mai întâi prin artiști individuali care au preluat ucenici, apoi prin academiile a căror funcție era de a educa artiștii și de a menține o tradiție a măiestriei. Deoarece existau puține astfel de instituții în Statele Unite, majoritatea pictorilor americani au călătorit la acești atelieri europeni pentru a învăța principiile și tehnicile critice pentru vocațiile lor.
Unii dintre americanii care încearcă să imite academiile europene, precum RH Ives Gammell și Richard Lack, și-au deschis propriile academii. Gammell l-a antrenat pe Lack în atelierul său din Boston, iar Lack a deschis apoi Atelier Lack [acum Atelierul] din Minneapolis, care continuă să funcționeze sub îndrumarea studenților săi. Alți atelieri, trecut și prezent, cu legături cu Gammell sau cu unul dintre studenții săi, includ cei regiați de Allan Banks, Charles Cecil, James Childs, Robert Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter, Richard Whitney, Andrea Smith, Ryan S. Brown și Juliette Aristides.
Dorința mea de a fi conectată la tradiție într-o perioadă în care nu mai era întreagă, când a fost considerată pasé să dorească acest lucru și când limba ei a fost uitată, este ceea ce m-a adus la Florența în 1978. După ce am studiat cu Lipsa, am decis să deschid o școală de artă cu Cecil în 1982 (care a continuat până în 1990 ca studioul Cecil-Graves), apoi am fondat Academia de Artă din Florența în 1991 și continuu să îndeplinesc funcția de director. Scopul meu a fost să îmbin învățăturile lui Lack cu cele ale altor artiști / profesori care m-au influențat foarte mult. Acest program educațional și tradiția pe care se bazează sunt cele care au adus sute de studenți la Academia de Artă din Florența, dintre care mai mulți au fondat ulterior propriile lor ateliere.
Auto portret 2005, ulei, 15 3/4 x 19 3/4. Colecție privată. |
A spune că lucrăm cu toții în această tradiție academică nu înseamnă că subiectul și interesele noastre artistice sunt aceleași. Așa cum sper că este evident din desenele și picturile create de artiștii pe care i-am menționat și de studenții lor, fiecare dintre noi încearcă să creeze un corp de lucru unic bazat pe calea sa individuală artistică. Cu toate acestea, cu toții vorbim cu același „limbaj” vizual. Adică am învățat cu toții, în măsura în care putem, limba tradiției, pe care o folosim pentru a ne exprima viziunile. Îmi place să cred că misiunea noastră este să îmbinăm fragmente din tradiția umanistă, astfel încât să putem contribui cu imagini semnificative care să inspire generațiile viitoare.
Cercetarea mea timpurie a tradiției
Așa cum am explicat, propriul meu traseu artistic a început la Colegiul de Artă al Institutului Maryland și am continuat studiile absolvente la Florența la Vila Schifanoia, unde l-am cunoscut pe Richard Serrin, una dintre marile influențe asupra vieții mele. El m-a învățat să „citesc” un tablou, deschizând astfel o ușă care este crucială pentru dezvoltarea unui dialog profund și continuu cu stăpânii trecuți. El a demonstrat o înțelegere tehnică profundă a picturii din Rembrandt și din secolul al XVII-lea, dar, la fel de important, a „comunicat” cu lumea picturii și mi-a vorbit despre semnificația a ceea ce a văzut.
Exploratorul 2003, ulei, 35½ x 27½. Toate operele acestei colecții de articole artistul, dacă nu este indicat altfel. |
Ulterior, m-am dus la Minneapolis cu Serrin pentru a-l ajuta cu un proiect mural și a fost acolo când l-am cunoscut pe Richard Lack, cu care am studiat aproape un an. De la Lack am aflat multe dintre tradițiile academice ale școlii din Boston, care i-au fost transmise de Gammell, și metoda de desen și pictură la vedere, care a fost folosită de mulți dintre pictorii de portret din secolul al XIX-lea, inclusiv John Cântăreț Sargent. M-am întors apoi la Florența și am studiat cu Nerina Simi sau „Signorina Simi”, cum am numit-o. Fiica lui Filadelfo Simi - un pictor florentin în stilul Macchiaioli, care studiase cu Jéan-Léon Gérome …? Signorina Simi a menținut atelierul tatălui său de la moartea sa în 1923 până la propria sa în 1987, la 97 de ani. M-am întors la Florența să studiez cu ea pentru că munca care ieșea din studioul ei avea atuuri pe care voiam să le dobândesc.
Atât Lack, cât și Simi au oferit o legătură cu Gérome, care a fost semnificativă pentru mine. Lack a moștenit-o prin intermediul lui Gammell, în timp ce Signorina Simi a strâns-o pe ea, lucrând în studio cu tatăl ei. Amândoi se întorceau la Gerome, aveau multe asemănări în ceea ce învățau, dar și câteva diferențe.
Italia - cu muzeele, bisericile și frumusețea naturală și ca loc în care artele au înflorit în mod tradițional - a fost întotdeauna un magnet pentru artiști. Prezența Signorinei Simi și a lui Pietro Annigoni la Florența i-a atras pe mulți pictori tineri (inclusiv pe mine) care căutau firele sfâșiate ale tradiției realiste. Ne-am dorit cu disperare să ne simțim conectați cu tradiția și se părea că nicăieri nu mai lucrau artiști așa cum au avut în trecut - cu atenție la meșteșuguri chiar și la nivelul materialului cel mai de bază. În Florența, nu s-a numit artist, ci pictor; și când cineva a câștigat respectul celorlalți, așa cum a avut Annigoni, unuia i s-a acordat titlul de „maestru.”? Aceste lucruri ne-au făcut să simțim că pictura era o profesie nobilă, adânc înrădăcinată în meșteșuguri, cultură și comunitate. Unii dintre cei care au venit au rămas doar câteva luni; alții, ca mine, au rămas pentru că Florența i-a captivat prin frumusețea și cultura ei.
Hans 2005, ulei, 27½ x 23¾. |
Deși nu am studiat cu Annigoni, care a murit în 1988, la 78 de ani, am ajuns să-l cunosc destul de bine. A fost, așa cum îl numeau unii, „Patriarhul realismului.”? Stabilind standardul pentru proiectare, el ne-a dat speranță pentru că ar putea desena și picta așa cum au avut artiștii în secolele anterioare.
Am vizitat atelierul său de multe ori pentru a-i arăta tablourile mele; el a fost întotdeauna încurajator, dar nu a dat niciodată prea multe laude. Nu prea pentru discuții mici, i-a plăcut să discute despre semnificațiile mai profunde ale vieții. Desigur, arta a fost întotdeauna în fruntea discuțiilor noastre. Pe măsură ce aș pleca din studio după vizita cu el, m-ar încuraja mereu. "Buon lavoro. Forza e coraggio"? („Muncește din greu și bine. Forță și curaj”), ar spune el, în tonul meu, îmi imaginez, al unui războinic roman.
Metodică de predare la Academia de Artă din Florența
"Într-o școală de arte plastice, este de datoria cuiva să înveți doar adevăruri necontestate, sau cel puțin pe cele care se bazează pe cele mai fine exemple acceptate de secole." Cuvintele lui H. Flandrin, tipărite în broșura noastră, sunt cele mai apropiate pe care le propunem să articulăm o declarație de misiune la Academia de Artă din Florența. Cu Flandrin - și cu multe altele pe care le-am putea cita - în calitate de ghiduri, învățăm meșteșugul de a lucra în tradiția realistă similar cu modul în care a fost învățat în atelierele din Europa de Vest din secolul al XIX-lea - nu neapărat să producă lucrări din secolul al XIX-lea, dar, așa cum am menționat anterior, deoarece legătura noastră cea mai directă cu valorile și învățăturile tradiționale din trecut, despre care se știe că au produs artiști de nivel profesional în tradiția realistă, sunt prin studiourile respective. Pentru că am cules piese din tradiție de la mulți oameni diferiți, ceea ce învățăm la Academia de Artă din Florența este un amestec dintre ceea ce am primit de la mulți dintre cei pe care i-am menționat anterior, interpretați în felul meu.
Studiul Cloud 2006, ulei, 35½ x 51¼. |
În ceea ce privește sistemul de formare atelier ca model, Academia de Artă din Florența este diferită de majoritatea școlilor de artă, unde elevii merg la o varietate de clase și sunt adesea învățați de multe persoane. Când studenții merg pe ușa Academiei Florența, li se atribuie un spațiu de studio și se stabilesc într-un ritm de lucru care va rămâne constant pe parcursul anilor de studiu. Îndemnându-i să devină, după cum spunea John Constable, „elev pacient al naturii”, jumătate din zi este petrecută lucrând de la figură și cealaltă jumătate a zilei în studiourile lor, lucrând la exerciții specifice. Demitificăm pregătirea unui artist și rupem sarcina extrem de complexă de a învăța să deseneze, să pictezi și să sculptezi din viață în pași treptat. În termeni cei mai generali, studenții își petrec zilele încercând să vadă și să arate exact ceea ce este în fața lor, pentru că, așa cum spunea Leonardo, „Pictorul va produce imagini cu puțin merit dacă va lua lucrările altora ca etalon; dar dacă se va aplica pentru a învăța de la obiectele naturii, va produce rezultate bune."
A face acest lucru, însă, nu este ușor: o progresie pas cu pas prin programa școlii, de la învățarea desenului cu exactitate până la învățarea de a folosi valori precise ale culorii în ulei - sau, pentru elevii de sculptură, învățarea de a folosi structura corectă în argila - ia în general studenți de patru până la cinci ani. Cu mici excepții, studenții se concentrează exclusiv pe desenul din primul an. După ce au căpătat încredere în capacitatea lor de a fi exacte, li se cere să dezvolte, în pregătirea de a deveni pictor, o înțelegere sofisticată a gradărilor valorii - prin urmare, utilizarea cărbunelui, a cărui gamă îl face un mediu eficient pentru explorarea luminii. și întuneric. Studenții intermediari obțin o bază puternică în desen, atât în grafit, cât și la cărbune și, de obicei, la începutul celui de-al doilea an, încep să deseneze cu cărbune și cretă albă pe hârtie tonifiată, un pas mai aproape de pictură. Desenele de distribuție ale elevilor încep să semene cu distribuțiile reale, iar desenele pe figură ale acestora au greutatea și echilibrul unei persoane vii. Având în vedere aceste abilități de desen, primele proiecte de pictură sunt atribuite.
Studiu pentru cadou 2006, cărbune și cretă albă, 53½ x 47½. |
Obținerea controlului asupra acestui nou mediu necesită timp și experiență și, la fel ca în cazul desenului, ne deplasăm pas cu pas. Înmuiem trecerea de la desen, începând studenții cu pictura en grisaille - adică cu pictura în gri. Acest lucru le oferă elevilor șansa de a se familiariza cu utilizarea vopselei pentru a studia valorile fără a adăuga complexitatea culorii. Doar câteva proiecte sunt date în grisaille (de obicei, două distribuții și o pictură de cinci săptămâni) înainte de a fi atribuit unui proiect în culori limitate. Începem elevii cu trei culori, neincluzând albul: galben ocru, englez roșu și negru. Aceasta este cea mai tradițională și de bază paletă existentă - elevii au început cu ea de secole și se crede că mulți pictori mari, precum Titian, au folosit-o pentru a produce unele dintre cele mai frumoase opere ale lor. Odată ce elevii au descoperit potențialul acestor culori de bază, sunt adăugate altele, după cum este necesar: galben napol, vermillion, albastru cobalt etc.
Studenții din anul III le este acordat timp pentru a absorbi și exersa materialul care le-a fost dat în al doilea an, împreună cu un grad mai mare de dificultate în materie. Portretul este introdus, mai întâi în desen, apoi în pictură. Mulți studenți încep să arate o tendință față de anumite subiecte și pot începe să petreacă mai mult timp dezvoltându-și abilitățile în zona care îi fascinează cel mai mult.
Până în anul al patrulea, studenții au stăpânit desenul în două medii și sunt familiarizați cu metodele și materialele picturii în ulei, acesta din urmă la fel de important în studiile unui pictor ca primul. Acum este momentul să perfecționați abilitățile, să identificați și să abordați punctele slabe persistente și să începeți să puneți la cunoștințe tehnice. Una dintre cele mai benefice politici pe care le-am instituit în ultimii 10 ani este critica finală. La sfârșitul fiecărui trimestru, elevii aduc individual toate lucrările pe care le-au produs înaintea profesorilor lor asamblați. Scopul criticii este de a-i informa pe elevi dacă sunt în curs, de a le oferi un indiciu clar despre ceea ce simțim că sunt punctele lor forte și punctele slabe și de a le oferi sugestii personalizate despre cum să se îmbunătățească. Li se acordă o notă de trecere / eșec în funcție de modul în care au făcut-o în cinci categorii diferite: progres, performanță, atitudine, efort și prezență.
Bănuiesc că, pentru unii studenți, zilele par uneori lente și obositoare, dar când pleacă după ce au fost câțiva ani aici, știu să urmeze o procedură care funcționează. Orice artă are legătură cu controlul: Dacă nu puteți urmări mișcările specificate de balet, nu puteți dansa baletul; nu puteți reda muzică clasică decât dacă aveți controlul asupra tuturor cântarelor și a degetului. Nu puteți picta și sculpta într-o manieră tradițională decât dacă ați învățat principiile și tehnicile necesare, cum ar fi mișcarea, gestul și proporția.
Studiu pentru cadou 2006, cărbune și cretă albă, 52¼ x 50. |
În general, există două tipuri de studenți: cei care par să aibă un cadou special pentru a vedea și apoi traduce rapid și fluid de la trei dimensiuni în două, și cei care luptă pentru fiecare abilitate nouă pe care o dobândesc. Ambii fac pictori și sculptori excelenți, precum și profesori excelenți, din diferite motive. Primele sunt adesea admirate modele de rol; ei percep repede greșelile elevilor și motivul pentru care i-au făcut. Pe de altă parte, cei care s-au luptat au o înțelegere dornică a dificultăților; ele servesc ca exemple de progres și pot simpatiza frustrarea celor care se luptă.
Ceea ce pare a fi comun la cei care au succes, la cei care supraviețuiesc, este pasiunea și munca grea a acestora. Cred că oricine poate obține succesul, indiferent de nivelul său de talent, dacă este sau este total pasionat, implicat și asiduu. După cum spunea Michelangelo: „Dacă oamenii ar ști cât de mult am muncit, nu le-ar plăcea ceea ce fac.”?
O declarație personală
Deși piese din tradiție au fost salvate și transmise mai jos, îmi fac griji pentru starea actuală a acestui corp de cunoștințe, care este unul dintre motivele pentru care am dedicat o parte a timpului meu de-a lungul anilor. Când am dezvoltat programul la Academia de Artă din Florența, am ales să subliniez acele aspecte ale tradiției care mi s-au părut vitale. Făcând acest lucru, nu a fost dorința mea de a manipula tradiția pentru a se potrivi viziunii mele personale, ci de a o consolida, de a construi pe ea și de a oferi unei generații de studenți instrumentele de care au nevoie pentru a se dedica ceea ce consider unul dintre cei mai mari și cele mai provocatoare ocupații dintre toate: crearea de imagini care au rezonanță emoțională și abilitate tehnică și care, în veridicitatea și frumusețea lor, transmit idei de mare semnificație. În acest scop, așa cum am menționat anterior, am amestecat ceea ce am învățat de la artiștii / profesorii influenți pe care i-am cunoscut pe parcursul propriilor studii. Am interpretat neapărat învățăturile lor în felul meu, potrivindu-mi piesele așa cum mi se părea cel mai potrivit. În spiritul de a transmite studenților ceea ce este „pur”? sau „adevărat” - adică pentru a ne asigura că învățăm principii și nu impunem stiluri, manierisme sau tehnici - ne concentrăm pe practicile meșteșugurilor la școală.
Cadoul 2006, ulei, fiecare panou 51½ x 53½. |
Pentru a învăța aceste tehnici clasice de desen, pictură și sculptură, trebuie să cunoaștem limba, astfel încât să poată „vorbi” într-un mod care va fi înțeles. Vreau să transmit această limbă studenților nu pentru ca aceștia să intre apoi în studiourile lor și să producă o lucrare care este o imitație a trecutului, dar să poată merge în lume și să creeze opere de artă într-un limbaj folosit de multă vreme de către artiști și asta a fost înțeles de multă vreme de oameni de toate nivelurile societății - fie că sunt artiști care lucrează sau nu. Toate acestea fiind spuse, sunt cel mai conștient de faptul că tradiția este mult mai mare decât suma tuturor elementelor meșteșugului. Într-adevăr stăm pe umerii giganților.
John Ruskin a subliniat că avem generații de oameni în spatele nostru care ne ajută să realizăm opere de artă. Aș adăuga că acele generații de artiști au ridicat semnificația tehnică și psihologică a picturii la un nivel atât de înalt încât oricine ia bastonul se confruntă cu cea mai grea competiție existentă. "De ce nu putem produce Leonardos astăzi?"? s-ar putea întreba cineva. Nu cred că este doar pentru că ne lipsește cunoștințe și expertiză tehnică. Cred că se datorează faptului că există ceva în plus față de tehnica care face parte și din tradiție. Sper ca, având școala din Florența, prin expunerea elevilor la marile sale capodopere și culturi, că vor ridica mai mult din esența tradiției, că vor avea mai mult decât tehnică în spatele lor pentru a-i motiva.