Doi maeștri ai picturii pe natura mortă au multe să ne învețe despre dezvoltarea picturilor noastre.
de Joseph Gyurcsak
Ocher & Blue Grey 2007, ulei, 12 x 16. Colecția artistului. |
Doi dintre cei mai admirați maeștri ai picturii pe viață mortă sunt artistul italian Giorgio Morandi (1890–1964) și pictorul francez Paul Cézanne (1839–1906). Sunt venerați, deoarece artiștii pot învăța foarte multe studiind picturile lor și încercând să înțeleagă cum s-au ocupat de o selecție de obiecte comune, o compoziție de forme interrelaționate, manipularea subtilă a culorilor armonioase și un aranjament de lumină unificat.
Vreau să discut despre câteva componente cheie în crearea unei picturi în ulei de natură naturală, oferind o demonstrație pas cu pas bazată pe înțelegerea mea despre Morandi și Cézanne. Indiferent dacă sunteți un începător sau un pictor avansat, acest demo vă va ajuta să vă îmbunătățiți abordarea cu privire la pictura pe viață fixă.
Pictura mea Subtle Greys este o viață vie creată într-o perioadă de două ore folosind o tehnică alla prima (pictura într-o singură ședință). Pictura în ulei a fost inspirată din compozițiile, subiectele și culorile lui Morandi, care a lucrat cu obiecte similare și o paletă limitată pentru a crea unele dintre cele mai magnifice tablouri de viață vie. Tablourile sale sunt amintiri utile despre cât de bogat poate fi un subiect de natură mortă dacă cineva înțelege și îmbrățișează genul. Ceea ce apare la început simplist devine complex, pe măsură ce se imită folosirea subtilă de către Morandi a culorii dezactivate și a periajului vizibil.
Grays subtile a fost modelat cu atenție, astfel încât să nu piardă spontaneitatea implicată de semnele de periaj. Mai multe detalii nu îmbunătățesc neapărat o pictură. De fapt, editarea atentă are adesea mai mult impact decât elaborarea excesivă. Este important ca un artist să observe și să editeze în mod constant pe măsură ce pictura sa se conturează.
Culorile pe care le-am folosit în crearea acestui tablou au fost galbenul Napoli, ocru galben, roșu cadmiu, sena arsă, albastru ultramarin și albul de titan. Alegerea paletei mele a fost limitată și asta a contribuit la stabilirea armoniei culorilor. Mi-am tonifiat pânza cu o ușoară spălare de sienna arsă în prealabil (stabilind o imprimatura) și am lăsat suprafața să se usuce bine câteva săptămâni înainte de a începe natura vieții. Am subțiat culoarea uleiului ars cu sânna cu o cantitate mică de Utrecht Alkyd Glazing Medium pentru a mă asigura că culoarea nu va reveni la proprietățile umede odată ce procesul de vopsire a început.
Unul dintre modurile cheie de a realiza amestecuri de gri excelente este să nu luați scurtătura folosind negri sau griuri premixate, ci, mai degrabă, să folosiți diverse combinații de culori. De exemplu, când mi-am dorit un gri-verde pentru demonstrația mea, am combinat albastru ultramarin și ocru galben și am adăugat cremă alizarină permanentă pentru a aprofunda și a muta culoarea la temperatura și valoarea de culoare de care aveam nevoie. Amestec mereu culoarea secundară și apoi adaug un complement de valoare și temperatură opuse. Rezultatul acestei metode este întotdeauna un gri bogat, care are mai multă adâncime. Atât Cézanne, cât și Morandi au folosit griurile într-un mod rafinat, făcând tranziții minunate între culorile pure și luminile și întunericurile.
Fructe încă viață cu tapiserie 2000, ulei, 20 x 24. Colecția artistului. |
Selectarea unui subiect
Cu toții avem tendințe, obiceiuri sau preferințe. La sfârșitul zilei, singurul lucru cu adevărat important este că pictăm ceea ce ne încântă. Picturile noastre sunt mai susceptibile să aibă acel „factor X” personal atunci când pictăm cu pasiune.
Acestea fiind spuse, v-aș sugera să luați în considerare să ieșiți în afara zonei dvs. de confort din când în când pentru a obține o înțelegere mai largă a dumneavoastră și a procesului creativ în care vă implicați. De exemplu, dacă încercați să pictați o viață nemișcată, lucrați dintr-un aranjament de obiecte pe care în mod normal nu le-ați grupa. O altă idee ar fi să vizitați un magazin de antichități și să descoperiți vase vechi, tigăi, sticle și alte ustensile de bucătărie care v-ar putea permite să spuneți o poveste prin aspectul lor purtat. În cele din urmă, selectați obiectele pur și simplu datorită formei, culorii, texturii sau dimensiunii lor și aranjați-le într-un mod care să contrasteze aspectul lor.
În cazul demonstrației mele, m-am concentrat pe niște sticle foarte vechi, decolorate, un suport pentru lumânări, un dop și câteva blocuri de lemn pe care le-am aranjat deasupra unei mese de modelare. Am selectat în mod intenționat piese care nu aveau o culoare puternică, deoarece am vrut să mă provoc să aprofundez în subtilitatea relațiilor de culoare, mai degrabă decât un contrast evident între suprafețe mult diferite.
Compunerea unei vieți moarte
După ce selectați elemente de interes, așezați-le unde le puteți vizualiza de la diferite înălțimi și unghiuri - dintr-o vedere deasupra unei păsări, un punct de vedere drept sau o vedere scăzută, cu ochi de vierme. Acest lucru vă va ajuta să determinați cel mai bun punct de vedere din care să vă vedeți privitorul subiectul. Dacă nu sunteți destul de sigur de punctul de vedere din care să pictați obiectele, faceți schițe de miniaturi sau răsfoiți prin paginile unei cărți despre pictura mortii pentru a vedea ce au făcut alți artiști. Luați în considerare modul în care compozițiile lor sugerează ordine echilibrată, mișcare anticipată, dezordine neliniștitoare sau incertitudine misterioasă.
Când în cele din urmă blocați o compoziție, aceasta poate prezenta o imagine foarte complexă sau una destul de simplă. Veți vedea rapid că acest proces de luare a deciziilor este un pas esențial în crearea unui tablou. Luați-vă timpul, absorbiți subiectul, stați cu el, lăsați-l să vă vorbească, aveți încredere în intuiția voastră și veți ști când va fi corect.
Pentru această demonstrație, am aranjat o compoziție la nivelul ochilor, astfel încât variațiile nu provin din relațiile spațiale, ci din diferențele de culoare, înălțime și formă.
Importanța iluminatului
Odată ce aveți un aranjament de obiecte și un punct de vedere stabilit, atunci este timpul să aprindeți lumina. Poate trece printr-o fereastră luminată de soare, ca un flux puternic de lumină sau cu expunere orientată spre nord, la fel de răcoroasă, chiar și creând margini mai moi, cu tonuri de gri-albastru. Lămpile cu incandescență pot lumina obiecte cu o lumină direcțională puternică, creând margini dure și pot mări zone de lumină care ar putea fi clar definite.
Borcan de muștar și sticle maro 2007, ulei, 12 x 16. Colecția artistului. |
Artiștii recomandă adesea lumina de nord pentru un studio de pictură, deoarece este o strălucire constantă de lumină rece care creează umbre calde. Ei consideră că este de preferat unui model schimbător de lumină solară caldă și umbre reci. Nici o situație de iluminare nu este corectă sau greșită. Fiecare este diferit și stabilește relații variate între intensitatea și temperatura culorilor. Lumina nordică tinde să rămână constantă, permițând vopsirii unui subiect pe o perioadă lungă de timp, fără ca lumina să se schimbe în cursul normal al unei zile. Lumina naturală oferă șansa de a lucra cu lumina caldă și aurie disponibilă la începutul și sfârșitul zilei; lumina ascuțită, deasupra soarelui, la prânz; sau modelul siluetat de forme întunecate împotriva luminii care a scăzut sub orizont în după-amiaza târzie.
Dacă nu vă place gândul de a trata modele imprevizibile de lumină naturală sau dacă programul dvs. permite doar timp pentru vopsirea noaptea, iluminarea artificială vă poate oferi ore nelimitate pentru pictarea unui subiect. Unii artiști văd luminile incandescente ca un dezavantaj, deoarece acestea sunt temperaturi calde și elimină cea mai mare parte a răcoarei unui subiect.
Un fapt important în ceea ce privește iluminarea subiectului cu ceva sub 5500 Kelvin (o evaluare a culorii becului care asimilează cel mai bine lumina naturală) este că lumina artificială va părea caldă. Unele becuri de pe piață oferă un echilibru mai bun de lumină pentru a vă ajuta să obțineți culori mai reci în tabloul dvs. De exemplu, mulți artiști folosesc becuri incandescente Chromalux cu spectru complet, montate într-o lampă a unui artist profesionist Daylight sau într-o lampă combinată.
Iluminatul este componenta unică care vă permite să stabiliți tonuri vii sau plictisitoare, umbrire, evidențiere sau tonuri plate pe subiect. Aceasta este o decizie cheie în crearea atmosferei în jurul subiectului dumneavoastră. Multe picturi nemaipomenite folosesc iluminatul ca temă principală. De exemplu, dacă aranjați obiecte, astfel încât câteva dintre ele sunt luminate de o lumină puternică și alte câteva sunt în întuneric, veți crea o dramă și o profunzime deosebite în tabloul dvs. Totuși modul în care ați ales să vă luminați subiectul, amintiți-vă că aveți un instrument extraordinar la dispoziția dvs. pentru a influența efectul general al modului în care apare subiectul dvs. și a modului în care telespectatorii pot răspunde la acesta. Cézanne știa bine acest lucru și, uneori, a petrecut câteva săptămâni să-și stabilească aranjamentele de viață vie, astfel încât să aibă doar iluminatul și mediul adecvat.
Am folosit o lampă combinată în timp ce am creat tabloul Grays Subtle. Programul meu de lucru nu îmi permite întotdeauna să pictez în condiții de iluminare naturală, așa că am configurat această pictură de natură mortă în studioul meu târziu noaptea folosind becuri echilibrate sau lumini floare care au aceeași temperatură de culoare ca lumina naturală.
Decizia modului de a direcționa lumina asupra obiectelor a fost ghidată de un tablou Morandi care era în general luminat într-un iluminat de tip mai plat, care nu arunca umbre mari. Pictura de lumină mai flată este cu siguranță mult mai dificil de înregistrat, deoarece se bazează mai mult pe schimbările tonale ale culorilor decât umbrele turnate, tonuri medii distincte și evidențieri clare. De asemenea, este necesar ca un pictor să fie mai sensibil la observarea schimbărilor de temperatură.
Amestecarea culorilor într-un interval limitat
Se întâmplă adesea ca o armonie de culoare să domine o viață naturală, în timp ce alți doi sau trei joacă roluri de susținere în dramă. Dacă nu sunteți sigur care ar trebui să fie acea armonie, așezați o foaie de hârtie albă pe o suprafață plană în zonele generale ale subiectului, apoi așezați un obiect alb mic pe acea hârtie, astfel încât să vă dezvălui imediat care este culoarea. temperatura umbrelor turnate ar trebui să fie în termeni de căldură sau răcoare. Zona iluminată va fi automat temperatura opusă. Această informație vă va ajuta să amestecați culorile mai exact în ceea ce privește temperatura corectă a culorii umbrelor, tonurilor mijlocii și zonelor luminoase.
Natura mortă pe suită 2006, ulei, 8 x 10. Colecția artistului. |
De exemplu, dacă tonul general al subiectului dvs. este scăldat într-o lumină caldă, este posibil să aveți combinații de culori, cum ar fi galbenele, roșii și portocalele în zonele cu ton mediu și luminos. Zonele umbre vor include combinații de albastru, violete și verzi reci.
Pentru a realiza o armonie a culorilor, ajută la stabilirea amestecurilor de culori folosind o paletă limitată de patru până la șase culori de tub, mai degrabă decât o gamă largă de zeci sau mai multe. De asemenea, se recomandă utilizarea albului cu mod redus pentru a evita slăbirea cromelor unei culori. Este mai avantajos să creșteți valoarea unei culori, amestecând culori mai ușoare cu aceasta, cum ar fi culoarea galbenă de la Napoli sau galbenul de lămâie cadmium în loc de alb. Vă recomand să folosiți cantități mici de alb pentru a menține intensitatea culorii. În mod similar, sugerez neutralizarea amestecurilor de culori prin adăugarea unui omolog complementar. Cu cât devii mai familiar cu proprietățile unice ale unei culori, cu atât vei avea mai mult succes cu amestecarea culorilor, deoarece vei obține un control mai mare, consistență și armonie.
Fotografia paletei mele arată clar modul în care mi-au fost aranjate și premixate culorile. Am stabilit mormane mari de culoare și m-am concentrat pe amestecul tuturor principalelor pete de culoare pe care le-am observat la subiect. Folosirea a mai puține culori în tablou nu înseamnă neapărat utilizarea unui volum mai mic. John Singer Sargent și Joaquín Sorolla și Bastida au aplicat cantități generoase de culoare de ulei pentru a le face destul de evidente periile. Artiștii care au asistat la Sorolla la lucrări au comentat că a stors tuburi întregi de culoare pe paleta înainte de a începe demonstrațiile.
Forma valorii, culorilor și formei începute
Odată ce artiștii învață să vadă pete mari de culoare și nu detalii, ei se concentrează pe relația de valoare, temperatura culorii și forma. Atunci când desprind noțiuni obiective despre identitatea subiectului, ei sunt liberi să creeze cu o expresie imensă. Și atunci când desenul lor este precis și culorile lor sunt bine amestecate, lipsa de detaliu nu distrage de la subiectul recunoscut care apare și lectura ca subiect al tabloului.
Cézanne a avut capacitatea de a jongla linii și forme cu doar atenția corectă pentru ambele. Este rar ca un artist să comande un astfel de echilibru, deoarece majoritatea pictorilor favorizează unul sau altul. Volumele formelor sale pictate erau uneori tonuri late, plate și, alteori, transformate de la lumină la umbră. Calitățile liniei sunt culorile calculate cu mișcări direcționale puternice care vibrează împotriva formelor de masă. S-a bazat pe acele linii pentru a ține conturul obiectului, astfel încât tonurile sale rupte orchestrate sau tonurile deschise de culoare să își poată păstra prospețimea.
Știind când să te oprești
În orele mele de pictură, îi sfătuiesc adesea pe studenți să se oprească, să-și pună periile în jos, înapoi departe de pictura lor și să le evalueze experiența creativă. Ei trebuie să evalueze ceea ce și-au exprimat deja și apoi să stabilească cum să meargă mai departe - sau să se oprească în timp ce sunt înainte.
Show turistic 2006, ulei, 11 x 14. Colecția artistului. |