Pictorul din New York, Travis Schlaht, caută - și găsește - frumusețe convingătoare în multe colțuri ale vieții. Apoi, folosind o paletă restrânsă, dar puternică, o oglindește pe pânză.
de James A. Metcalfe
Barul II 2005, ulei pe lenjerie, 26 x 36. Toate lucrările de artă ale acestui articol sunt private colectare, cu excepția cazului în care este indicat altfel. |
Travis Schlaht are o filozofie simplă, dar certă, despre pictură: „Un artist ar trebui să inspire”, declară originarul californian. „Nu mă abonez la ideea că un artist trebuie să conteste sau să șocheze spectatorul sau să evidențieze urâțenia prin satire. Artiștii pot inspira întotdeauna - dacă prin nimic altceva, atunci ilustrând cât de frumoasă poate fi viața.”Pentru a realiza acest lucru, Schlaht, care admite că este puternic influențat de pictorii din secolul al XIX-lea, pur și simplu pictează scenele și obiectele pe care le găsește atât frumoase cât și frumoase convingătoare.
Atunci când ia în considerare subiectul vieții statice, artistul selectează obiecte de care este atras estetic sau se simte într-un fel legat. „S-ar putea să fie din cauza texturii, culorii, formei sau modului în care lumina reflectă sau călătorește prin el care mă obligă să-l pictez”, spune artistul. În Bar II, de exemplu, Schlaht a dorit să surprindă diferite aspecte, dar armonioase ale configurației. „Fiecare sticlă avea propriul său aspect estetic”, explică el. „Forma și culoarea lichidului din fiecare au fost afectate în mod direct de ceea ce se afla în spatele său, și am considerat că este fascinant vizual. Trebuie să văd ceva interesant dacă sper să fac un tablou interesant.”
Camion roșu 2004, ulei pe lenjerie, 8 x 10. |
Schlaht consideră că ceea ce diferențiază artiștii sunt răspunsurile personale la obiecte, locuri și persoane. „Nu este important modul în care este completată o pictură sau cine a pictat-o, ci mai degrabă dacă o anumită imagine poate rezona sau nu cu privitorul”, subliniază el. „Zece oameni pot studia și picta același subiect, dar tablourile vor varia enorm în funcție de răspunsurile emoționale ale artiștilor la subiectul lor.” Și deși Schlaht consideră că este important să evocăm un răspuns din partea privitorului, el nu vrea niciodată să mandeze ce acel răspuns ar trebui să fie. „Dacă un spectator nu poate determina ce obiect am pictat, atunci am eșuat. Dar cum simt telespectatorii în legătură cu asta este de la ei. Singura mea speranță este că vor avea un răspuns onest la subiect, precum și la modul în care este pictat.”
Schlaht asigură un răspuns onest la picturile sale începând cu o abordare cinstită. Vorbind despre opera sa de peisaj plin de aer, artistul spune: „Este vorba despre încercarea de a surprinde plinătatea locului în care mă aflu. Îmi petrec ore întregi doar privind și explorând ceea ce este în fața mea - ca să nu mai vorbim de absorbția mirilor de sunete și mirosuri unice pentru acea locație specifică.”Deoarece Schlaht pictează doar din viață, el este familiarizat cu obstacolele pe care le prezintă pictura aeriană. La fel ca mulți artiști, el constată că „cea mai formidabilă provocare este să încerce să surprindă atmosfera, adâncimea, scara și măreția, menținând atât culoarea cât și perspectiva liniară, în timp ce luptați simultan cu elementele”, spune el, adăugând, „și să facă toate acestea în mai puțin de patru ore, înainte ca lumina să se schimbe complet.
Deer Isle Inlet 2005, ulei pe lenjerie, 17 x 24. |
„Întrucât aerul scade valoarea și intervalul de culori”, explică el, „cu cât aerul și atmosfera dintre voi și subiect înseamnă că culoarea devine mai puțin cromatică și cu cât intervalul de valori devine mai mic (luminile devin mai puțin luminoase și întunericurile devin mai puțin întunecate.) În Deer Isle Inlet, de exemplu, am încercat să obțin atmosfera cu culoarea făcând copacii din fundalul mai puțin cromatic și copacii de pe coasta de deal mai puțin verzi, ceea ce a dus la acei copaci având o gamă de valori atât de mică încât arborii individuali sunt imposibil de distins. Rețineți, de asemenea, marginile sau lipsa acestora, unde dealul întâlnește cerul. Sunt mult mai moi și mai puțin definite decât stâncile din partea stâncii din prim plan.”
Schlaht a încercat, de asemenea, să înfățișeze un sentiment puternic de atmosferă în Red Truck. „Camionul aflat în prim plan are atât cromă ridicată, cât și o gamă largă de valori”, explică el, „în timp ce copacul din fundal este vopsit în nuanțe de verde mutate și are o gamă de valori restrânse.” Vopsind acest contrast, Schlaht a atras atenția. la subiectul său și a evocat sensul unui anumit loc într-un anumit timp. „Nu mi-am propus să pict dispoziția”, susține artistul. „Dar pictura efectului atmosferei va crea în sine o stare de spirit.” El crede că modul în care un spectator reacționează la un subiect sau un efect de lumină va determina și starea de spirit a unui tablou. „Starea de spirit este un lucru amuzant”, spune el. „Nu pot - și nici nu vreau - să controlez starea de spirit a privitorului. În Bread and Unt, de exemplu, unii spectatori pot privi mouse-ul și au un răspuns negativ. Pentru ei, șoarecele ar putea reprezenta murdăria și degradarea sau intruziunea naturii asupra modului de viață al omului. Alții o pot vedea ca o imagine optimistă în care nevoile micuțului [șoarecele] sunt într-un final satisfăcute în abundență. Creez o imagine; interpretarea privitorului stabilește starea de spirit."
Materialele lui Schlaht Schlaht consideră că cunoașterea materialelor sale este esențială. „Îmi permite să mă concentrez mai eficient asupra aspectului tabloului”, spune el. Pânza lui de alegere este lenjeria portret Claessens. „Nu este prea neted și nici grosimea țesăturii nu distrage prea mult”, spune el. În ceea ce privește vopseaua, cei mai importanți factori pe care îi consideră sunt consistența și dacă vopseaua este suficient de maleabilă pentru ca el să renunțe la utilizarea unui mediu. Picturile sale preferate, în funcție de culoarea particulară, sunt cele de Old Holland, Schmincke-Mussini, Rembrandt și Gamblin. Folosește în principal perii sintetice moi Winsor & Newton. El preferă terebentina distilată engleză față de diluanții netoxici, inodor, datorită rezistenței sale și rapidității evaporării. |
Barnul alb 2005, ulei pe lenjerie, 8 x 10. Galeria John Pence, San Francisco, California. |
Indiferent de subiect, adevărata pasiune a lui Schlaht este actul pictării. Artistul petrece cu ușurință până la 14 ore pe zi pictând în studioul său și deseori rezolvă mai întâi toate problemele de desen pe hârtie. „Petrec o cantitate considerabilă de timp pentru stabilirea designului unui tablou”, spune el. „Când voi fi în sfârșit mulțumit de compoziție, voi începe desenul, de obicei cu umbra arsă pe o pânză tonifiată. Când lucrez la o figură, însă, voi face mai întâi un desen în grafit și apoi voi transfera acel desen pe pânză.
„Pe măsură ce lucrez la desen, pun lucrurile la locul potrivit și obțin proporțiile potrivite de persoană sau obiect”, continuă artistul. „De exemplu, în Valentine nu mă preocupă să desenez fiecare parte din ochiul subiectului; Mă preocupă mai mult să surprind distanțele și relațiile dintre ochi, nas și gură. Desenul este crucial pentru că, după ce încep, un tablou se îndepărtează rar de aspectul său original.”
Paine si unt 2005, ulei pe lenjerie, 11 x 15. Galeria John Pence, San Francisco, California. |
Cel mai adesea Schlaht va picta un obiect până la finalizare - de obicei cel mai interesant sau cel cu cea mai mare gamă de valori - și apoi va relata orice altceva din tablou cu acel obiect original. El își dă totuși spațiul pentru a fi flexibil și totuși nu se opune neapărat să miște sau să adauge un element dacă va avea ca rezultat o compoziție mai bună. Și deși se consideră adevărat subiectului său, recunoaște că nu este „slab adevărat”. „Nu sunt apt să pictez fiecare detaliu și de multe ori sunt mai interesat de evocarea unei pensule decât sunt în reprezentând fiecare ultimă nuanță a unui obiect”, recunoaște el.
În ceea ce privește alegerea culorii sale, Schlaht folosește tonuri restrânse pentru a se asigura că atunci când folosește o culoare intensă are un impact semnificativ. „Folosesc culoarea pură doar pentru accente; pentru restul tabloului folosesc, în general, tonuri dezactivate”, explică el. Două dintre sticlele din bara II, de exemplu, au blaturi de ceară roșu-viu. „Pentru a păstra ceara un roșu bogat, am folosit roșu pur doar în partea cea mai strălucitoare a blatului. Valoarea mijlocie a fost amestecată în roșu cu un pic de umbră arsă pentru a-și reduce valoarea. Dacă aș folosi doar albul pentru a da forma superioară, ceara ar arăta roz și spălată”, spune el.
Aşteptare 2004, ulei pe lenjerie, 14 x 22. |
Paleta sa este formată din aproximativ 24 de culori. „Nu cred că este important să avem multe culori; este doar ceea ce am acumulat”, spune Schlaht. El consideră util să folosească aceleași culori în aceeași ordine de fiecare dată când pictează. „În felul acesta”, spune el, „știi întotdeauna unde sunt culorile de care ai nevoie și nu pierzi timpul în căutarea celei potrivite. Unii artiști au o paletă pentru peisaj și un alt set de culori pentru figură și adaugă sau scad constant în funcție de subiectul pe care îl pictează. Este prea confuz pentru mine. Încerc să păstrez lucrurile cât mai simplu; actul picturii este destul de greu!”
Autoportret în studio 2005, ulei pe lenjerie, 20 x 24. |
aleasă a inimii 2005, ulei pe hârtie, 10 x 10. |
Strada Apelor 2002, ulei pe lenjerie, 14 x 22. |